K-pop | |
---|---|
Stilistisk opprinnelse | Koreansk musikk, eksperimentell , pop , gospel , rhythm and blues , hiphop , jazz , folkemusikk , klassisk , country , rock , reggae , EDM |
Kulturell opprinnelse | 1940 -tallet i Sør-Korea |
Typiske verktøy | stemme |
Popularitet | Kommersiell suksess siden slutten av 1990-tallet i hele Øst-Asia og senere globalt |
Beslektede sjangre | |
J-pop , trav | |
Relaterte kategorier | |
K-pop-band · K-pop- musikere · K-pop- album · K-pop- EP -er · K-pop- singler · K-pop - videoalbum |
K-pop (forkortelse for koreansk populærmusikk , [1] på koreansk 케이팝 ? , Ke-ipap LR ) er populærmusikken i Sør-Korea . [2]
Opprinnelsen til K-pop er sporet tilbake til de siste to tiårene av 1800 -tallet , da noen populære vestlige sanger ble skrevet om på koreansk. Sterkt betinget av den japanske okkupasjonen på 1920 -tallet, blomstret den lokale musikkscenen med gjenoppretting av økonomien på slutten av Korea-krigen på 1950-tallet , og kontaktene med amerikanerne og hippiebevegelsen brakte frem en mer letthjertet produksjon av trav og ballader . På begynnelsen av 1990-tallet bidro Seo Taiji og Boys sine eksperimenter med forskjellige stiler og sjangre og integreringen av koreografi og musikalske elementer fra utlandet som rap til å omforme og forynge landets musikkscene. [3] I 1996 fikk tradisjonelle sangere selskap av idolfiguren med debuten til HOT , og derfra ble K-pop en subkultur som var i stand til å bringe sammen store fandomer av tenåringer og unge voksne. [4] [5] Etter en fase med lavkonjunktur, ga TVXQ og BoA i 2003 plass for en ny generasjon artister som eksporterte sjangeren til det nærliggende japanske markedet og som fortsetter å spre K-pop internasjonalt takket være bruken av sosiale nettverk . [6] [7] Sjangeren opplevde betydelig vekst i 2018, og ble oppført som det sjette største musikkmarkedet i verden av International Federation of the Phonographic Industry . [8]
Over hele verden er "K-pop" mye tolket som et utskiftbart begrep for å referere til både koreansk folkemusikk og koreansk pop , med spesiell referanse til sangene til idolgrupper, de mest eksporterte globalt. [9] [10] Denne bruken er imidlertid omdiskutert, siden den vanligvis grupperer artister som dedikerer seg til helt forskjellige musikalske sjangre under en enkelt definisjon. Noen kritikere har ansett det som reduktivt og geografisk begrensende, så vel som en refleksjon av maktdynamikken i det globale musikkmarkedet, som har en tendens til å gi spesifikke navn til sjangere fra kulturer som anses som "andre". [11] Eksperter i den sørkoreanske musikkbransjen har uttrykt beklagelse over at idolmusikk blir sett på som representativt for hele den nasjonale musikkscenen, mens mange indieartister foretrekker å ikke bli identifisert som «K-pop». [12]
I Sør-Korea ble populærmusikk utelukkende kalt gayo ( 가요 ? ) Fram til 2000-tallet ; begrepet "K-pop" ble vanlig først senere [1] [13] og brukes i snever betydning for å referere til musikk produsert av de store, beregnet på eksport til det globale markedet [14] [15] og ikke påvirket fra tradisjonell koreansk musikk , så vel som fra stiler og sjangre fra hele verden, som eksperimentell , rock , jazz , gospel , hiphop , R&B , reggae , elektronisk dans , folk , country og klassisk . [16] Indiemusikk og mainstreammusikk som ikke spilles av idoler kalles ikke "K-pop" i Korea. [12] [14]
Den første kjente bruken av ordet "K-pop" skjedde i 9. oktober 1999-utgaven av Billboard av Cho Hyun-jin, daværende korrespondent for magasinet, som brukte det til å oversette gayo i en artikkel med tittelen "The South Korea will allow noen japanske liveshow." Cho selv er ikke sikker på at han laget begrepet, etter å ha lest at det allerede ble brukt av innsidere i musikkindustrien, men sa at han aldri hadde hørt det personlig før. [17] Ifølge andre kilder ble ordet "K-pop" laget av japanerne på eksemplet med " J-pop " for å selge koreansk folkemusikk i deres land. [18] [19]
Begynnelsen på koreansk folkemusikkhistorie kan spores tilbake til 1885 , da den amerikanske misjonæren Henry Appenzeller begynte å undervise i amerikanske og britiske folkesanger på skoler. Disse sangene, kalt changga ( 창가 ? ) på koreansk, var basert på en populær vestlig melodi og hadde koreanskspråklige tekster. For eksempel ble Oh My Darling, Clementine kjent som Simcheongga . [n 1] Det første albumet som ble gitt ut i Korea var en samling av tretti sanger fra Joseon -perioden utgitt i mars 1907 av amerikanske Columbia . [20] Med begynnelsen av japansk styre i 1910 tok Japan kontroll over det lokale musikkmarkedet, [21] tok seg av alle innspillingene, [22] publiserte sine egne lærebøker etter å ha konfiskert de eksisterende samlingene av changga siden koreanere ga uttrykk for sine følelser mot kolonial undertrykkelse gjennom tradisjonell musikk. [23] [24]
Det tidligste kjente koreanske popalbumet er Park Chae-seon og Lee Ryu-saeks Yi pungjin sewol ( These tumultuous times ), utgitt i 1925 og med populære sanger oversatt fra japansk. [25] Yun Sim-deoks Hymn of Death , utgitt i august 1926, var den første koreanske poplåten som ble kommersialisert i Japan, [23] mens den første poplåten skrevet av en koreansk komponist antas å være Nakhwayusu ( 낙화 유수 ? ; Knopper falt i rennende vann ), sunget av Lee Jeong-suk i 1929. [25] På midten av 1920 -tallet blandet den japanske komponisten Masao Koga tradisjonell koreansk musikk med gospel introdusert av amerikanske evangelister på 1870-tallet : denne typen musikk ble kjent i Japan som enka , og i Korea utviklet det seg senere til trav ( 트로트 ? , Teuroteu LR ). [25] [26] Det var Lee Nan-youngs Tears of Mokpo (1935) som la grunnlaget for det koreanske travet, og etablerte dets rytme, tempo og vokalteknikk. [23]
I 1927 grunnla Lee Cheol Okeh Records, Koreas første plateselskap, i samarbeid med Japanese Imperial Phonograph Company. [27]
Delt den koreanske halvøya etter frigjøringen i 1945 fra den japanske okkupasjonen, begynte små koreanske plateselskaper å åpne [22] og Okeh ga ut det første albumet som ble spilt inn og produsert helt i Korea. [21] Vestlig kultur ble introdusert til landet i liten skala, med noen få vestlige barer og nattklubber som spilte vestlig musikk. På slutten av Korea-krigen (1950-53) forble amerikanske tropper i Sør-Korea, noe som førte til spredning av amerikansk og verdenskultur i landet, og gradvis aksept av vestlig musikk. Fremtredende skikkelser innen amerikansk underholdning som Nat King Cole , Marilyn Monroe og Louis Armstrong deltok i showene organisert av USO i Sør-Korea for det amerikanske militæret. [28] [29] Disse besøkene vekket oppmerksomheten til den koreanske offentligheten. I 1957 begynte radiosendinger fra American Forces Korea Network, noe som utvidet populariteten til vestlig musikk. Amerikansk musikk begynte å påvirke koreansk musikk: den pentatoniske skalaen ble gradvis erstattet av den vestlige heptachord og populære sanger begynte å bli modellert etter amerikanske. [30]
På 1960-tallet førte utviklingen av LP -er og forbedringer innen innspillingsteknologi til søket etter forskjellige stemmer. [31] Det ble holdt åpne auditions for å ansette musikere til å opptre ved amerikanske militærklubber, som talte 264. Siden Sør-Korea hadde kommet fattig ut av Korea-krigen, anså dyktige koreanske sangere forestillingene som en god inntektskilde for soldater, og mange gikk fram. De opptrådte i forskjellige sjangre som country , blues , jazz og rock & roll . Den sørkoreanske økonomien begynte å blomstre og musikk fulgte den samme trenden, drevet frem av de første kommersielle radioene , [28] som ble det primære middelet for å lytte til musikk. [22] Alle produksjoner ble gjenstand for sensur på ulike nivåer for å forsvare moral og forhindre politisk uro. [22]
Koreansk kino begynte også å utvikle seg og musikere som opptrådte for et bredere publikum: [28] artister som tidligere opptrådte for hæren, som Shin Jung-hyeon , Pearl Sisters og Patti Kim , nådde lokalt publikum. Da Beatlemania landet på den koreanske kysten i midten av tiåret, vokste ideen om "gruppelyd" og de første lokale bandene dukket opp, som Add4 og Key Boys . [32] Add4, den første koreanske rockegruppen, ble grunnlagt i 1962 av Shin Jung-hyeon og produserte den første koreanske rockelåten, The Woman in the Rain . [33] I løpet av 1950- og 1960-årene eksisterte vestlig popmusikk, koreansk rock og trav i Sør-Korea. [28]
Noen koreanske sangere fikk internasjonal popularitet. I 1959 opptrådte Kim Sisters i Las Vegas og ble de første koreanske artistene som ga ut et album på det amerikanske popmarkedet; [34] coveret deres av Charlie Brown toppet seg som nummer 7 på Billboard Single Chart. Trioen turnerte i USA og Europa og dukket opp på radio og TV, og scoret tjuefem opptredener på The Ed Sullivan Show , syv flere enn de amerikanske stjernene Patti Page og Louis Armstrong. [28] Han Myeong-suks sang fra 1961 The Boy in The Yellow Shirt ble gjenskapt av den franske sangeren Yvette Giraud og var også populær i Japan. [35]
På slutten av 1960-tallet gjennomgikk koreansk popmusikk en ny transformasjon. Den yngre generasjonen født etter 1950-tallet hadde vokst opp med påvirkning fra amerikansk kultur og livsstil (spesielt hippiebevegelsen ), og ga dermed opphav til en "ungdomskultur" uttrykt gjennom langt hår, jeans , akustiske gitarer og folkemusikk , favorittsjangeren av politisert ungdom; flere og flere musikere var universitetsstudenter og nyutdannede som laget letthjertet musikk, i motsetning til sine forgjengere, betinget av krig og japansk undertrykkelse. [31] De protesterte like mye mot Vietnamkrigen som amerikanske hippier, så den koreanske regjeringen forbød folk fordi det var assosiert med studentopprørsbevegelser. Ikke desto mindre forble folk-påvirket pop populær blant unge mennesker, og MBC arrangerte en college-sangkonkurranse i 1977, som markerte fødselen til flere moderne musikkfestivaler. [36] En av de fremtredende skikkelsene i denne perioden var Hahn Dae-soo , hvis sang Mul jom juso ( 물 좀 주소 ? ; Gi meg litt vann , 1974) ble et ikon blant koreansk ungdom. Hans vågale opptredener og unike sangstil sjokkerte ofte publikum, og han ble utestengt fra å opptre i Korea. [37] Park Chung-hees regjering forbød amerikansk pop og koreansk rock som assosiert med sex og narkotika, [38] så vel som trav- og ppongjjak -stilen , påvirket av enka-sanger, for å støtte hans anti-japanske politikk. [39] [40] Også i løpet av 1970 -tallet begynte DJ -er å få popularitet . [31]
I 1980 ble Asia Music Forum lansert, der representanter fra fem asiatiske stater konkurrerte. Koreaneren Cho Yong-pil vant , som siden har hatt en suksessfull karriere med travsanger: Woman Outside the Window (1980) var en hit, med en million solgte eksemplarer i Korea, og lot ham bli den første sørkoreanske sangeren som opptrådte i Carnegie Hall i New York. [41] Sammen med kollegene Lee Mi-ja og Na Hoon-a ble Cho ansett som et ikon hjemme, [42] men på midten av tiåret avtok travet [43] til fordel for ballader etter Lee Kwang-jo i 1985 sitt album You're Too Far Away to Get Close To solgte over 300 000 eksemplarer. Andre populære eksponenter for sjangeren var Lee Moon-sae og Byun Jin-sub , mens en av de mest ettertraktede komponistene var Lee Young-hoon . [41] Musikkscenen var statisk: ballader var preget av søte lyder og romantiske tekster påvirket av easy listening og folkemusikk, og i mangel av en nasjonal rangering, var populariteten til en artist og det påfølgende salget av platene hans avhengig av opptredener i de ukentlige programmene som sendes av KBS og MBC, så sanger ble spilt inn for å matche TV-spesifikasjonene, med lange introduksjoner og instrumentelle fades for å gi plass til kunngjøringer fra programledere. Sangerne måtte også opptre med bandene og studiodanserne levert av nettverkene, noe som hindret popscenen i å vokse spontant. [40] Mangelen på opphavsrettskontroll og behovet for å spille inn forskjellige arrangementer basert på bandet gjort tilgjengelig av nettverk og radioer favoriserte spredningen av covers som gjorde det vanskeligere å assosiere en sang med en spesifikk sanger. Dette begynte å endre seg da Korea undertegnet den internasjonale opphavsrettskonvensjonen i 1985. [22]
I 1988 opphevet regjeringen restriksjoner på utenlandsreiser, og den samtidige økningen i disponibel inntekt tillot kjøp av parabolantenner , takket være at befolkningen ble mer utsatt for globale musikalske trender. [44] Bevisstheten om at folkesanger i Korea ikke var veldig forskjellig fra balladene i nabolandene drev nasjonalismen , og artistene ble overbevist om at det var viktig å overvinne de asiatiske påvirkningene som hadde preget deres musikalske produksjon frem til det. punkt. øyeblikk. [45] Den politiske friheten som ble forårsaket av overgangen til demokrati etter at Parks diktatur satte i gang musikalsk eksperimentering, [46] og artister tilegnet seg stiler fra utlandet for å skille seg ut og øke sitt publikum. [44] De inkorporerte europop i produksjonen sin , så vel som funksjoner fra amerikansk populærmusikk som hiphop, rock , jazz og elektronisk dans . [2] Heavy metal , som hadde vært en undergrunnssjanger på 1980-tallet, ble mainstream ettersom unge mennesker i økende grad beveget seg bort fra TV-programmer til fordel for livekonserter i Seouls Sinchon University District. [47] Selv om de musikalske stilene kom fra utlandet, reflekterte innholdet i sangene nasjonalistiske og typisk koreanske følelser som han . [48]
Fremveksten av unge musikere som Seo Taiji og Boys , 015B , Shin Hae-chul og Yoon Sang la grunnlaget for moderne K-pop. [50] Spesielt revolusjonerte debuten til Seo Taiji og Boys i 1992 sjangeren fullstendig, og oppfant en unik musikalsk formel som senere skulle bli praksis: den brukte rap under versene og pop i refrengene, og akkompagnerte sangene med dynamisk dans bevegelser. [44] [51] Trioen debuterte i et MBC -talentshow med den første koreanske rapsangen, Nan arayo ( 난 알아요 ? ; I know ), [44] og fikk lavest poengsum fra juryen, uansett hvor sangen og The The The gruppens første album var så vellykket at andre sanger fra samme format dukket opp på markedet. Nan arayos suksess ble tilskrevet hans nye jack swing -inspirerte beat og lett å huske refreng, så vel som hans banebrytende tekster som snakket om problemene i det koreanske samfunnet, og skaper en større sosial bevissthet i popmusikken. [44] [52] Vellykkede hiphop- og R&B-artister som Yoo Seung-jun , Jinusean , Solid , Deux , 1TYM og Drunken Tiger ble født i kjølvannet av Seo Taiji og Boys . [52] Etikettene, som var på vakt mot endringer, fortsatte imidlertid å favorisere musikere som fortsatt beholdt noen elementer av balladetradisjonen. [46]
Finanskrisen som rammet Korea på slutten av nittitallet forårsaket nedleggelsen av de økonomisk svakere plateselskapene og deres erstatning med selskaper med en mer integrert tilnærming til produksjon av kulturelt innhold, som fokuserte på ungdommer som deres kunder: dermed oppsto popmusikk. på unge mennesker, med opprettelsen av idolgrupper bestående av gutter eller jenter. [43] Med henvisning til modellen til amerikansk popidol popularisert av Motown , [51] lanserte Lee Soo-man , president for SM Entertainment , et av de første idol - guttebandene , HOT , som debuterte i 1996 etter streng trening i sang og dans. , men også innen etikette, atferd, språk og mediehåndtering. [28] Sangen deres Candy presenterte en mykere, mildere form for pop, med positive melodier akkompagnert av energiske dansebevegelser, annerledes enn de melankolske og rørende sangene til forrige generasjon. [53] Gruppen fikk enorm popularitet, solgte 10 millioner plater på fem år og lot SM bli det første sørkoreanske underholdningsbyrået som ble offentlig . [54] Mange lignende selskaper dukket deretter opp og fulgte den samme stjerneproduksjonsprosessen, og lanserte populære grupper som Sechs Kies , SES , Fin.KL , NRG , Baby VOX , Diva , Shinhwa og GOD , og gradvis transformerte underholdningsmarkedet. [54] [55] [56] Musikkstiler rettet mot voksne publikummere flyttet til utkanten av markedet da tenåringer, som hadde oppnådd større kjøpekraft takket være den spirende økonomien på begynnelsen av tiåret, ble den ledende gruppen populærmusikkforbruker demografisk. [43] Dette tillot artister å bli presentert gjennom visuelt stimulerende produksjoner som høyt kuraterte musikkvideoer, TV-opptredener, livekonserter i stor skala og variasjonsprogrammer , samt markedsføring av egne varer . [43] Gjennom media oppfordret regjeringen artister til å ta i bruk selvsensuratferd for å "motvirke nedgangen av moral ved å beskytte unge mennesker mot skadelig materiale" og å opprettholde dekor, spesielt med henvisning til HOT-forestillingene, som klatret opp på scenen iført juveler. og fargerike jumpsuits åpner ofte ved navlen, men hennes forsøk på å stoppe de raske endringene i popmusikken mislyktes. [57] I mellomtiden, ved å omfavne den digitale musikkrevolusjonen , ga rapperen Cho PD ut det første koreanske digitale albumet i 1998 til betydelig suksess. [58]
En reaksjonær bevegelse mot konvensjonell populærkultur spredte seg også på 1990-tallet, uttrykt med åpningen av ulovlige undergrunnsmusikkklubber og punkrockband som Crying Nut . [59] Finanskrisen presset også artister til å søke nye markeder for musikken deres, og HOT ga ut et album på mandarin for det bredere kinesiske publikumet. [55]
På begynnelsen av 2000-tallet begynte koreansk musikk å bli referert til som "K-pop". [1] Idols begynte å nyte suksess også i andre deler av Asia: i 2002 ble Baby Vox's Coincidence populær etter å ha blitt utgitt og promotert rundt verdensmesterskapet i Sør-Korea, og året etter var de den første idolgruppen som nådde toppen av hitlistene i Kina , med I'm Still Loving You fra det tredje albumet Devotion . [60] Snart begynte imidlertid gruppene som hadde hatt suksess på 90-tallet å gå i oppløsning, og kunne ikke konkurrere på markedet fordi de manglet sin egen musikalske stil. [61] Solistene, derimot, fikk popularitet: BoA var den første K-pop-sangeren som nådde toppen av den japanske Oricon- listen , [62] og Rain opptrådte i Beijing på en utsolgt konsert foran 40 000 mennesker . [63] I 2003 markerte suksessen til TVXQ gruppenes retur til den koreanske underholdningsverdenen og veksten av K-pop som en del av hallyu , dvs. populariteten til den sørkoreanske kulturen i utlandet. [6] Dermed ble født en "andre generasjons" K-pop, etterfulgt av begynnelsen av grupper som Super Junior (2005), Big Bang (2006), Wonder Girls (2007), Girls' Generation (2007), Kara ( 2007), Shinee (2008), 2NE1 (2009) og f (x) (2009). [63]
På midten av 2000-tallet begynte en stor del av det østasiatiske musikkmarkedet å bli okkupert av K-pop. [64] Musikkeksport ble favorisert av Sør-Koreas økende rolle i verdensøkonomien, den massive immigrasjonen av koreanere til Japan, USA og Vest-Europa, deres deltakelse fra utlandet i kulturindustrien og arbeidsdelingen av kunstnerisk produksjon og distribusjon med utenlandsk personell. [65] I 2008 kom nesten 68 % av eksportrelatert fortjeneste av denne typen fra Japan, etterfulgt av Kina (11,2 %) og USA (2,1 %). [64] Samme år så introduksjonen i Korea av elektronisk dansemusikk , [66] presentert for første gang på halvøya i et minialbum av Big Bang, Always . [67] Siden den gang har andre artister og band våget seg inn i sjangeren, [68] og gutteband begynte å gi ut sanger med mer modent og obskurt innhold. [69]
Utviklingen av sosiale medier var et viktig verktøy som tillot koreansk musikk å nå et bredere publikum, [7] og K-pop dukket opp stadig oftere på vestlige hitlister som de på Billboard . [70] [71] Sjangeren fikk spesiell oppmerksomhet over hele verden da Psy 's Gangnam Style ble den første videoen som nådde én milliard visninger på YouTube i 2012 , og fikk omfattende mediedekning. [72] [73] [74] De største koreanske underholdningsbyråene – SM, YG og JYP Entertainment – forsøkte deretter å komme inn på det amerikanske markedet med sine topputøvere, men alle forsøk viste seg å mislykkes. [75] [76] [77]
2013-varianten Show Me the Money markerte inngangen til hiphop, hittil en undergrunnssjanger i Korea, i de dominerende musikktrendene, og har sterkt påvirket både idolmusikk og hele K-pop-scenen. Gradvis dukket det opp flere og flere "hiphop-idoler", som satte rap i sentrum av musikken deres og tok opp sosiale problemer, spesielt blant gutteband. [51] [69] I 2017 tok en av dem, BTS , veien inn i USA ved å bli den første koreanske gruppen som vant en Billboard Music Award ; [78] [79] [80] ble senere den første sørkoreanske artisten som vant en American Music Award , [81] som hadde et nummer 1-album på Billboard 200 , [82] en singel som toppet Billboard Hot 100 [83] ] og en Grammy Award-nominasjon . [84] Ansett som like innflytelsesrike som Beatles og Monkees , [85] genererte BTS et globalt sosialt vanvidd som ble likestilt med Beatlemania , [86] og gruppens enestående suksess på det internasjonale og spesielt det amerikanske markedet ble i stor grad tilskrevet adopsjon av hiphop-sjangeren. [51]
I 2018 opplevde K-pop betydelig inntektsvekst, og ble oppført som det sjette største musikkmarkedet i verden av International Federation of the Phonographic Industry . [8]
Moderne K-pop utviklet seg på begynnelsen av 1990-tallet med debuten til Seo Taiji og Boys , som slo gjennom med en dansesang som inneholder rap-segmenter og akkompagnert av koreografi, i en tid da musikkscenen var dominert av solskinnspop. og av solister som sang ballader . Denne stilen - senere kjent som "rap-dans" - regnes som grunnlaget for idolmusikk. [87] Moderne K-pop er et kulturprodukt som består av "kvaliteter, identiteter og betydninger som overskrider deres strengt kommersielle verdi" [6] Det er den mest transnasjonale popmusikken på det asiatiske markedet [15] og er preget av fusjonen av moderne vestlige lyder og afroamerikansk påvirkning (som referanser til sjangrene hiphop , R&B , jazz , svart pop, soul , funk, techno , disco , house og afrobeat ) til den koreanske ideen om ytelse, som inkluderer synkronisert dans trinn, endringer av attraktiv og repeterende trening og bevegelser. [15] [19] [88] I følge et synspunkt, "syner ikke funksjonen til K-pop å være å spre koreansk kultur, men å utvikle globale trender innenfor K-pop-strukturen, [ ...] løfte høyt begavede sangere og artister til smaken til det globale publikum. [89]
Artistene er kjent for sine dansestykker , men de spiller også ofte inn ballader [19] og noen blander pop med tradisjonell koreansk musikk. [90] Hiphop er imidlertid grunnlaget som sjangeren ble bygget på, både musikalsk og stilistisk: rap er en nødvendighet og en forutsetning for gruppene, som hver inneholder minst én rapper, og i koreografien er de inkorporert break dansebevegelser som fremheves av rytmen til hiphop. [91] Chaemin Lee og Jaibeom Kim hevder at rappere var et "krydderi" for å støtte sangere i tomrommet under sangbroer , og rappere fra undergrunnsscenen debuterte i K-pop. [nittito]
Noen anser K-pop som en altomfattende sjanger som også består av visuelle elementer. [93] Det franske Institut national de l'Audiovisuel definerer det som "en blanding av syntetisert musikk, definert koreografi og trendy fargede klær", [64] mens professoren i etnomusikologi ved Universitetet i Hannover Michael Fuhr beskriver det som "en omhyggelig hybridisert produkt, en unik samling av musikk, visuelle bilder, tekster, dans og mote, et postmoderne produkt av pastisj og parodi , en karnevalesk feiring av det annerledes, en strålende verden av eskapisme , og en svært deltakende kulturell praksis utført gjennom digitale medier ". [94]
For noen er det ikke de unike koreanske musikalske elementene som er ansvarlige for suksessen til K-pop, men dens transnasjonale og hybride aspekter. [95] Disse inkluderer dedikasjon til produksjoner av høy kvalitet og presentasjon av idoler, så vel som deres arbeidsmoral og høflige sosiale oppførsel, som kan tiltrekke seg mennesker av forskjellige etnisiteter, nasjonaliteter og religioner på grunn av deres nesten universelle appell. [96] [97]
Bruk av engelske fraserModerne K-pop er preget av bruken av engelske fraser . Jin Dal-yong fra Popular Music and Society skrev at dette kan skyldes innflytelsen fra "koreansk-amerikanere og/eller koreanere som studerte i USA og utnyttet deres flytende engelsk og de kulturelle ressursene de har. de er ikke ofte funnet blant de som er oppvokst og utdannet i Korea." [99] Koreansk popmusikk av koreansk-amerikanske sangere eller grupper, som Fly to the Sky , GOD , Rich, Yoo Seung-jun og Drunken Tiger , inneholder både amerikanske og engelske uttrykk. Produksjonen deres har en annen stil enn klassisk koreansk musikk, som fanger interessen til unge mennesker. [99] Utenlandske komponister og produsenter er i økende grad involvert i å lage sanger for K-pop-artister, som will.i.am og Sean Garrett . [100] [101] Utenlandske musikere og rappere som Akon , Kanye West , Ludacris og Snoop Dogg spilte også inn sanger med sine sørkoreanske kolleger. [102] [103]
Koreanske sangere er pålagt å bruke engelsk ettersom underholdningsselskaper ønsker å okkupere markeder i andre deler av Asia og åpne opp mot Vesten derfra. De fleste lærer engelsk ettersom det er et vanlig språk i musikkverdenen, men noen lærer også andre fremmedspråk som japansk for å komme nærmere det japanske markedet. På samme måte adopterer et økende antall grupper navn på engelsk i stedet for koreansk, noe som lar dem nå et bredere globalt publikum. [99] Internasjonaliseringen av K-pop på midten av 2000-tallet standardiserte inkluderingen i grupper av engelsktalende koreanske innvandrere som kan synge på engelsk mer naturlig og lettere forholde seg til ikke-koreanske publikum. [104] Bruken av engelsk betydde imidlertid ikke populariteten til K-pop på det nordamerikanske markedet. [99] For noen kommentatorer skyldes dette at sjangeren kan sees på som en destillasjon av vestlig musikk, noe som gjør den vanskelig å akseptere på disse markedene. Videre har vestlige publikum en tendens til å legge vekt på autentisitet og individuelle uttrykk i musikk, som det idoldannende systemet gir ideen om å undertrykke. [105] I følge forskning utført av komponisten Elaine W. Chun, selv om hybridisme dukker opp stadig oftere i K-pop og noen ganger kan få fans til å beundre stjernene mer fordi det oppleves som friskt, nytt og interessant, er det vanskelig å endre sinnet til de som tror på renheten til lingvistikk . [106]
I løpet av tiårene har artistnavn, sangtitler og tekster vist betydelig vekst i bruken av engelske ord. Ingen topp 50 sangere på 1990-tallet hadde engelske navn, og de som jobbet i musikkindustrien anså bruken av koreanske navn som standard; videre translittererte musikere med engelske navn dem til hangeul . I 1995, mens de fleste populære sangere fortsatte å bruke koreanske fornavn, brukte fjorten av de 50 beste utøverne engelske navn. Etter finanskrisen i 1997 sluttet regjeringen å sensurere engelske tekster og språket opplevde en boom i landet. Sytten sangere i topp 50 hadde engelske navn i 2000, trettien i 2005 og førtien i 2010, selv om vanligvis tre eller fire artister hadde mer enn én sang på listen samtidig. Koreanske navn ble mindre og sjeldnere, i motsetning til de på engelsk, som også ble skrevet i det latinske alfabetet . Andelen sanger med engelsk tittel blant de 50 beste var 8 % i 1995, 30 % i 2000, 18 % i 2005 og 44 % i 2010. Et eksempel på en koreansk sang med en betydelig del av tekstene på engelsk er Jumping by Kara , utgitt samtidig i Korea og Japan med stor suksess. [99]
De nye sangene presenteres for publikum på nasjonalt fjernsyn, i stedet for på radio. [107] Gruppene tildeles et navn og et "konsept", [108] som er den typen visuelt og musikalsk tema som vil bli brukt under deres aktiviteter. Konsepter kan endre seg over tid, og fansen skiller mellom mannlige og kvinnelige gruppekonsepter. De kan også deles inn i generelle begreper og tematiske begreper, som «søt» eller «fantasi». Nye idolgrupper debuterer ofte med et konsept kjent for markedet for å sikre en vellykket debut. Noen ganger dannes det undergrupper med bare noen få medlemmer av hovedgruppen: for eksempel Super Junior-KRY , bestående av Kyuhyun , Ryeowook og Yesung fra Super Junior , og Super Junior-M , blant de bestselgende K -pop-undergrupper i Kina. [109]
Talentbyråer retter seg mot individuelle nasjonale markeder ved å differensiere både sangspråk og gruppenavn, med samme artist som ansetter en annen per marked, for eksempel Girls' Generation , som er kjent som Sonyeosidae at home og Shōjojidai i Japan. [110] Japan er det eneste markedet som det lages spesialverk for på det lokale språket, siden det er hovedimportøren av K-pop-musikk og har en lignende fandomkultur som Sør-Korea, som fokuserer mer på CDer og merchandising i stedet for på konsertbilletter slik tilfellet er i USA og Europa. [111]
Online markedsføring inkluderer opplasting av musikkvideoer til YouTube for å nå et globalt publikum. [107] Før selve videoen blir teaser -bilder og trailere utgitt . Platene promoteres av to eller tre sanger, med definisjonene av "tittelsang" ( 타이틀 곡 ? , Ta-iteul gok LR ) de første og "påfølgende sanger" ( 후속곡 ? , Husok gok LR ) de andre. [112] Etter noen måneder med pause, hvor det nye albumet spilles inn, gjentas reklameaktivitetene på nytt. [112] Denne syklusen av aktiviteter etter debuten kalles "comeback" ( 컴백 ? , Keombaek LR ), bokstavelig talt "tilbake på scenen", selv om den aktuelle musikeren eller gruppen ikke hadde tatt en pause. [113] [114] [115]
Etter noen mislykkede forsøk på å inkorporere dans i sangopptredener på 1970- og 1980-tallet, [116] ble det en integrert del av K-pop i 1992 med Seo Taiji og Boys , noe som førte til nedgangen av statiske opptredener til fordel for gester. hendene, dansetrinnene og akrobatikken som er typisk for breakdance . [117] Koreografi og forestillinger har blitt det viktigste aspektet ved K-pop, da de kombinerer musikk med estetiske kvaliteter og, spesielt når det gjelder grupper, spiller en avgjørende rolle i å bekrefte identitet og kunstnerisk retning, som implementeres direkte i forestillinger uten å bruke andre rekvisitter. [10] [118] For Chuyun Oh er ung idol-dansemusikk "definitivt en av hovedkarakteristikkene som symboliserer K-pop". [119]
Koreografien har en tendens til å blande et bredt spekter av stiler, trinn og bevegelser fra hiphop, musikaler , amerikansk pop, moderne dans , tradisjonell kampsport , folkedans , steppdans , swing , jazzdans og ballett. [119] På koreansk kalles de "anmu" ( 안무 ? ) Og inkluderer ofte den såkalte "punktdansen" ( 포인트 안무 ? , Po-inteu anmu LR ), som er en sekvens av overbevisende og repeterende bevegelser som følger innholdet i sangteksten. [121] [122] Begrepet "kalgunmu" ( 칼 군무 ? ) refererer til de mest presise og synkroniserte danserutinene. [123] På 2010-tallet lanserte Ring Ding Dong og Lucifer fra Shinee moten med kompleks koreografi, bygget rundt et separasjons-/foreningsopplegg der gruppemedlemmene danser individuelt eller i små grupper før de gjenforenes ved stykkets klimaks. [10] I samme tiår oppsto også «konseptkoreografi» ( 콘셉트 안무 ? , Konsepteu anmu LR ), der tekst, scenekostymer og dans kombineres i en altomfattende utstilling for å fortelle en historie, som f.eks. , i Wolf av Exo . [123]
Når den er unnfanget, blir koreografien overført til underholdningsselskapet sammen med en prøvevideo tatt opp av profesjonelle dansere, hvoretter både kompaniet og artistene selv gir forslag til å endre den. [124] For å koreografere en sang er det nødvendig at forfatteren tar hensyn til tiden , mens koreografene har som oppgave å forenkle bevegelsene slik at fansen kan replikere de samme trinnene. [125] Musikkvideoregissører må derimot finne måter å få dans til å skille seg ut: «konseptkoreografi» kan for eksempel spilles inn kontinuerlig . [123]
Treningen og forberedelsene som trengs for å bryte inn i bransjen og danse med suksess er intens, og det er derfor det finnes treningssentre som utvikler danseferdigheter. Siden koreografiene som utføres av K-pop-grupper er energiske, er fysisk trening et av skolenes hovedmål, og må fortsette selv etter kontraktsinngåelse. Etikettene er vert for mye større treningssentre for de som har blitt valgt. [126] Noen tilbringer til og med flere år i utlandet for å studere dans med amerikanske koreografer og instruktører før de debuterte. [10]
Den koreanske musikkrevolusjonen forårsaket i 1992 av Seo Taiji og Boys utvidet også til måten å kle seg på, og mange artister tok i bruk de samme klærne, laget av hiphop-klær. [127] På 1990-tallet, selv om kostymene til herregruppene ble konstruert med lignende fargevalg, stoffer og stiler, beholdt plaggene til hver komponent fortsatt en viss individualitet; tvert imot hadde kvinnegruppene homogene og ofte identiske klær. [128] Motetrendene på moten fra slutten av 2000- tallet til begynnelsen av 2010- tallet viste derimot større mangfold og distinksjon. [129] Motens rolle i K-pop har vokst hånd i hånd med digitaliseringen av musikkmarkedet i det 21. århundre, noe som har økt konkurransen og nødvendiggjort vedtak av strategier for å etterlate et inntrykk på publikum at det var det mest varig som mulig. Sangerne begynte å bli tolket som merkevarer og for hver ble det laget en stil bestående av visuelle elementer av forskjellige sjangere som kombinerer design av album, musikkvideoer og forestillinger med sminke, frisyrer og scenekostymer for å definere identiteten til artisten. Dette fenomenet, som blander musikk med popkultur , er enestående i både den amerikanske og japanske musikkindustrien. [130] K-pop har en betydelig innflytelse på asiatisk mote, der trender initiert av idoler blir fulgt av et ungt publikum. [131] Noen kjendiser har også en etablert status som stilikoner, som G-Dragon [132] og CL , som gjentatte ganger har jobbet med stylisten Jeremy Scott , som kalte henne deres "muse". [133] [134]
Seo Taiji markerte også et vendepunkt for mannlige kunstneres estetiske kanoner: Bondeidealet om den robuste mannen med det runde ansiktet ble erstattet av et androgynt utseende preget av mer langstrakte ansikter og høye, tynne kropper. [127] I følge sosiologiprofessor Ingyu Oh, "legger K-pop vekt på et høyt, magert, feminint utseende med ungdoms eller noen ganger veldig pene ansiktsuttrykk, uavhengig av om sangerne er mannlige eller kvinnelige." [135] Mens kvinner blir fremstilt som mer kjønnssensitive , har menn med "myke" eller "sarte" egenskaper tatt på seg en sentral rolle i kommersialiseringen av K-pop og koreanske kulturprodukter generelt. [136] De viser en slags " maskulin femininitet " som er i motsetning til konvensjonelle vestlige forestillinger om både maskulinitet og heteroseksualitet og homofili . [137] [138] En studie fant at K-pop-fans setter pris på denne typen "anomale" representasjoner fordi det gir dem følelsen av at de ikke trenger å respektere den patriarkalske ideen om at kvinnen er underordnet mannen, noe som gjør dem føler seg mer dominerende. [139]
Det omtrentlige opphavsrettsbeskyttelsesregimet i Sør-Korea før 2009 og den utbredte piratkopieringen i landet har bidratt til utviklingen og konkurranseevnen til K-pop-industrien. [140] [141] Mellom 1960- og 1980 -tallet var piratkopierte LP-er og kassetter av utenlandske artister sensurert av myndighetene spesielt populære blant unge mennesker og initierte den første nyvinningen av den travdominerte musikkscenen , videreført av K-sangere. pops som kjøpte de billigste piratalbumene for å kopiere stilen. [142] Det var plateselskapene selv som piratkopierte platene, for å investere inntektene sine i jakten på nye talenter og i produksjonen av uutgitte spor, i et underutviklet marked hvor det var mindre lønnsomt å selge originale album enn å lage ulovlige kopier. [142] Regjeringen strammet inn reguleringene mot piratkopiering i 1987, slik at vestlige plateselskaper kunne publisere katalogtitlene sine direkte i Korea, men i mellomtiden hadde K-pop allerede forbedret sin konkurranseevne ved å skaffe seg vestlige popstiler gjennom kopier. nye opphavsrettslover som nettopp ble innført, forhindret markedet for utenlandske album i å overhale markedet for lokale album, hvis salg paradoksalt nok blomstret takket være spredningen av piratkopierte plater. [143] Senere, da de vokste opp i et miljø der piratkopiering av musikk var normen, insisterte ikke nye generasjons artister og bransjeinnsidere på opphavsrettsbeskyttelse, men gjorde i stedet K-pop-innhold på nettet mer tilgjengelig og gratis. [142]
Etter deres fremvekst på slutten av 1990-tallet, har idoler inntatt en ledende rolle i K-pop-industrien, [15] [144] takket være den samtidige spredningen av underholdningsprogrammer på sørkoreanske kabelkanaler, som har rettet underholdningsbyråer for å ansette artistene nødvendig for showene deres. [145] I 2012 ble 82 sanger på topp 100 på Gaon Chart spilt inn av idoler; resten av pop sto for 8 % og lydspor 5 %, mens andre sjangere som hiphop, rock og folk sto for mindre enn 1 %. [146] Men selv om idoler er mer populære enn tradisjonelle sangere, representerer dansemusikken de vanligvis gir ut bare en brøkdel av den årlige koreanske musikkproduksjonen: rock, hip hop, jazz , R&B, elektronisk og crossover er de mest populære sjangrene. og i 2011 var to tredjedeler av de 1100 utgitte albumene indiemusikk . [144]
Grupper er mer vanlige enn solister, siden, etter perspektivet til en skalaøkonomi , gjør tilstedeværelsen av flere artister det mulig å fremføre koreografiene uten å ansette backup-dansere; i tillegg kan hvert medlem tiltrekke seg forskjellige typer fans og engasjere seg i andre aktiviteter enn deres egen gruppe. [147]
Den koreanske industrien identifiserer alle musikkutgivelser tilgjengelig på fysiske medier som "album": studioalbum kalles "vanlige album" ( 정규 앨범 ? , Jeonggyu aelbeom LR ), "mini album" EP-er ( 미니 앨범 ? , Mini aelbeom LR ) og "mini album" single album" singler ( 싱글 앨범 ? , singgeul aelbeom LR ). [148] Hvis en singel kun er tilgjengelig i digitalt format, er den uttrykkelig identifisert som en "digital singel". [149]
K-pop skapte en hel bransje av musikkproduksjonshus, eventadministrasjonsselskaper, musikkdistributører og vare- og tjenesteleverandører. I 1971 var det bare 13 plateselskaper i Sør-Korea, men på 1990-tallet var det en boom og økte fra 68 i 1991 til 121 i 1996. [150] I 2012 ble det anslått at det var rundt tusen aktive forvaltningsbyråer, hovedsakelig små og mellomstore bedrifter, og derfor var kun åtte børsnotert. [151] SM Entertainment , YG Entertainment og JYP Entertainment , grunnlagt på 1990-tallet, er samlet kjent som "Big 3" ( 빅 3 ?, Bik3 LR ) og har vært en avgjørende faktor i suksessen til K-pop, pluss regjeringen støtte og teknologisk utvikling, da de har vært drivkraften i skapelsen av idolmusikk. [87] [152] [153] Artistene som debuterer under dem nyter mer berømmelse enn de andre og har større sannsynlighet for å lykkes, takket være den større tilgjengeligheten av kapital og infrastruktur for å annonsere seg selv. [154] [155] Alle børsnoterte selskaper opererer innenfor KOSDAQ -indeksen , [156] bortsett fra Hybe , som ble notert på KOSPI- indeksen i oktober 2020 og ble det største underholdningsselskapet i landet, med en markedsverdi høyere enn den samlede av the Big 3. [157]
Plateselskaper fungerer også som representanter for sine artister. De er ansvarlige for å ansette, finansiere, trene og markedsføre nye talenter, samt administrere musikk- og PR-virksomheten deres. [158] Fusjoner og oppkjøp lar dem utstyre seg med ekspertisen til andre selskaper som spesialiserer seg på spesifikke sektorer, noe som reduserer tiden og kostnadene ved å lansere artistene sine. [159]
Fysiske album solgt i Sør-Korea per år (millioner) [160] [161] |
Fram til midten av 2000- tallet , i vinylplatenes tid , var det mest populære formatet på det koreanske musikkmarkedet studioalbumet med 33 rpm , ansett som mer effektivt enn 78 rpm og EP , mens ingen singler ble gitt ut . [162] [163] Av denne grunn er begrepet "tittelspor" ( 타이틀 곡 ? , Ta-iteul gok LR ), som brukes selv om den aktuelle sangen har en annen tittel enn originalalbumet. [148] Det vestlige konseptet med singelen kom inn i Korea på slutten av 2000-tallet, i kjølvannet av den dramatiske veksten i digital musikksalg som startet på slutten av 1990-tallet, [164] og populære musikkformater har blitt digitale singler og EP-er. pga. lavere produksjonskostnad sammenlignet med studioalbum. [165]
I 2008 oversteg salget av digital musikk salget av fysiske kopier, delvis takket være hastigheten og rimeligheten til det nasjonale mobilnettverket . [164] I 2012, for eksempel, var gjennomsnittskostnaden for å få tak i en K-pop-sang i Sør-Korea $ 0,10 per enkelt nedlasting og $ 0,002 per nettstrøm, [166] [167] lavere enn utenlandske korrespondenter på grunn av den lange konkurranse fra sørkoreanske distributører med piratkopiering. [168] Digitaliseringen av musikk har gått hånd i hånd med pakking og presentasjon av popmusikk-CDer som samleobjekter, av forskjellige former og størrelser og ofte akkompagnert av forskjellige typer dingser, [164] en strategi som har gjort det mulig å opprettholde jevn vekst i fysisk platesalg i landet. [160]
I 2002 hadde musikkmarkedet i Sør-Korea en innenlandsk verdi på 286,1 milliarder won (272 millioner dollar) og eksport på 6 millioner dollar. [169] I 2008 var det verdt 148,5 millioner dollar globalt ifølge IFPI , [170] men året etter kollapset hjemmemarkedet til 80 milliarder won, så underholdningsselskaper vendte seg til Internett og digital musikk for å nå utenlandske markeder, noe som førte til en økning i eksporten, som nådde 31,3 millioner dollar [169] og gjorde industrien til den 14. største i verden. [170] Samme år ble DFSB Kollective den første K-pop-musikkdistributøren på iTunes . [171] Etter en rekke avgjørelser mot gratis streaming- og nedlastingssider, nådde det digitale musikkmarkedet i Korea i 2011 600 milliarder won [169] og 195,8 millioner dollar globalt. [170] I følge Billboard tjente den koreanske musikkindustrien i første halvdel av 2012 3,4 milliarder dollar, en økning på 27,8 % fra året før, [172] og ble anerkjent av Time som «den største eksporten av Sør-Korea». [173] I 2016 nådde globale inntekter fra K-pop 4,7 milliarder dollar [174] og i 2018, året da den opplevde en inntektsvekst på 17,9 % i forhold til året før, var musikkindustrien koreansk den sjette største i verden . [8] Sjangeren eksploderte ytterligere i 2020 med en økning på 44,8 % og etablerte seg som det raskest voksende musikkmarkedet; [175] Samme år tapte popmusikkindustrien rundt 184 milliarder won ($163 millioner) på grunn av kollapsen av konsertbilletter forårsaket av COVID-19-pandemien . [176]
Den bestselgende platen noensinne i Sør-Korea er Map of the Soul: 7 av BTS , utgitt i februar 2020, med mer enn 4,1 millioner fysiske eksemplarer på ni dager. [178] Den mest nedlastede sangen er Cherry Blossom Ending av Busker Busker (2012) med over 7,5 millioner nedlastinger per 26. mai 2018. [179]
Japan er hovedmarkedet som K-pop eksporteres til, etterfulgt av USA og Kina. [111]
Bestselgende artisterTabellen nedenfor viser de bestselgende artistene i Sør-Korea i henhold til data samlet inn av Circle Chart i perioden januar 2011-november 2021 alene . [180] Shin Seung-hun , som har solgt 17 millioner album, [181] gjør det ikke vises i denne listen som aktive hovedsakelig før lanseringen av rangeringen i 2010.
Fornavn | Totalt solgte album |
---|---|
BTS | 32 783 223 |
NCT | 15 773 729 |
Exo | 14 443 618 |
Sytten | 10 201 354 |
To ganger | 7 299 094 |
Stray Kids | 4 562 267 |
Fikk 7 | 4 105 009 |
Vil du ha en | 3 646 766 |
tekst | 3 332 307 |
Monsta X | 3 139 226 |
Svartrosa | 2 756 527 |
Byun Baek-hyun | 2 657 711 |
Ateez | 2 593 083 |
The Boyz | 2 552 987 |
Enhypen | 2 509 729 |
rød fløyel | 2 243 517 |
Iz * En | 2 148 234 |
NU'EST | 1 850 641 |
Stjerne | 1 521 622 |
VIXX | 1 437 695 |
Skatt | 1 136 993 |
Mamamoo | 1 119 601 |
Kim Ho-joong | 1 092 933 |
Kim Tae-yeon | 1 051 567 |
SF9 | 1 033 735 |
BtoB | 1 022 175 |
Lee Tae-min | 1 005 665 |
Koreanske musikklister inkluderer Circle Chart lansert i 2010 av Korea Music Content Association [182] og Korea K-pop Hot 100 lansert av Billboard Korea i 2011. [183] K-pop-plater har også dukket opp i en rekke utenlandske hitlister , som den japanske Oricon Chart og den amerikanske Billboard .
I USA var BoA den første K-popartisten som dukket opp på Billboard 200 med hennes navngitte album , som ble rangert som nummer 127 i april 2009. [184] Den øverste plasseringen som en koreaner nådde er den første, oppnådd av BTS med Love Yourself: Tear i mai 2018. [185] De første koreanerne som ble rangert på Billboard Hot 100 var Wonder Girls i oktober 2009 med engelskmennene versjon av Nobody , som ble rangert på 76. plass; [186] den maksimale posisjonen oppnådd av en koreaner er den første, oppnådd av BTS med Dynamite i september 2020. [83]
I Storbritannia var BTS de første K-pop-artistene som kom inn på de britiske albumlistene , og dukket opp på posisjon 62 i oktober 2016 med Wings . [187] Gruppen oppnådde også den beste avslutningen noensinne for en koreansk sanger da EP-en Map of the Soul: Persona kom på listen i april 2019. [188]
Sør-Korea har flere musikkforhandlere på nett, og begrepet "all-kill" (AK; 올킬 ? , Olkil LR ) brukes når en sang rangerer først, samtidig, i alle store musikklister i tid. [189] All-killen er "perfekt" når sangen også rangerer først på den ukentlige iChart-listen samtidig. [190]
MTV , importert til Korea på midten av 1990-tallet, bidro til transformasjonen av K-pop til en visuell kultur ved å kringkaste musikkvideoer før YouTube kom. På slutten av tiåret tok seks musikkprogrammer med liveopptredener ( Inkigayo , Show! Eum-ak jungsim , Music Bank , M Countdown , Show Champion og The Show ) fart, ett per kringkaster ukentlig, fra tirsdag til søndag. De representerer hovedmiddelet for promotering for artister takket være den konstante eksponeringen for publikum, og i hver episode tildeles ukens mest populære sang ved å krysse forskjellige data, inkludert salg, visninger på YouTube og seerstemmer. [191]
På 2010-tallet, for å motvirke nedgangen i popularitet til pro-internett-TV-programmer, begynte mange kanaler å kringkaste K-pop- talentshow . Noen av dem har fått stor anerkjennelse når det gjelder publikum og sponsing, og suksessen til den andre utgaven av Superstar K i 2010 førte til en firedobling av denne typen program. [193] I tillegg til talentshow som K-pop Star og rapperkonkurranser som Show Me The Money og Unpretty Rapstar , har det blitt produsert mange "survival"-show, som generelt setter lærlinger mot hverandre for å danne en ny gruppe av idoler. Eksempler på overlevelsesshow er MyDOL , som fødte VIXX , [194] WIN: Who Is Next , som fødte vinnerne , [195] Mix & Match , som så dannelsen av Ikon , [196] Sixteen , hvorfra To ganger kom ut , [197] No. Mercy , som startet Monsta X , [198] Pentagon Maker , som dannet Pentagon , [199] og Produce 101 -serien . [200] Fremveksten av disse programmene, som ofte innebærer at større byråer kontraherer mindre kollegers lærlinger for å danne midlertidige prosjektgrupper og beholder mesteparten av inntektene for seg selv, har skapt kritikk av monopolisering av industrien. [201] [202]
Siden 70-tallet, da de, for å omgå piratkopiering og statlig sensur, henvendte seg til radio- og TV-stasjoner for å presentere artistene sine for publikum, har praksisen med payola spredt seg i musikkindustrien , inkludert DJ-er, TV-produsenter og journalister som driver med underholdning. [203] I 2002 rapporterte Time at, i et forsøk på å takle «systemisk korrupsjon i Sør-Koreas musikkindustri», ble to sørkoreanske TV-produsenter arrestert for å «ta imot betalinger under disken for å sikre TV-opptredener for aspirerende sangere og sangere . musikere ". Blant de åtte selskapene som ble undersøkt, var SidusHQ og SM Entertainment . [56] Tjueni personer ble arrestert i 2011, hovedsakelig ansatte i radio- og kabelkanaler, mistenkt for å ha akseptert kontantbetalinger i bytte mot airplay eller falske rangeringer. [204]
OverarbeidI 2008 brakte guttebandet TVXQ SM Entertainment inn i klasserommet på grunn av den overdrevne varigheten av kontrakten hans (13 år) og den urettferdige fordelingen av inntektene. [205] BBC kalte avtalen "slaveholder", hvis vilkår tillot deres potensielle utnyttelse gjennom overarbeid. [206] I lys av TVXQ-saken, året etter introduserte den koreanske rettferdige handelskommisjonen standardiserte kontrakter som ikke var lengre enn syv år som garanterte flere rettigheter til idoler i deres omgang med byråene deres [207] og fortsatte med reformer selv i de påfølgende årene. [208] [209] Som rapportert av Jugan Chosun , på slutten av 2011 var SM Entertainment det eneste selskapet som noen gang har blitt saksøkt av sine artister for kontraktsmessige forhold. [152]
SeksualiseringK-pop-jentegruppene på 1990-tallet hadde et bilde av "uskyldige jenter" blottet for seksuelle elementer, i tråd med deres alder, og da det ikke lenger kunne opprettholdes av aldersgrunner, ble gruppen oppløst. På 2000-tallet tok de imidlertid i bruk sensuelle antrekk og koreografier som la vekt på visse deler av kroppen: Noen har fordømt dette valget og hevdet at det er en måte å varemerke kvinnekroppen på. [210] Noen kritikere har reist spesiell bekymring angående seksualisering av mindreårige, og hevdet at spesielt unge idoler er utsatt for press til å bruke tynt klær og danse provoserende. [211] Sammenlignet med vestlig popmusikk inneholder K-pop fortsatt en minimal mengde sex, narkotika eller aggressiv oppførsel og er mer rettet mot å få foreldres godkjenning. [212] I 2014 vedtok den koreanske rettferdige handelskommisjonen en lov som beskyttet mindreårige mot skadelig arbeidspraksis og åpenlyst seksualisert ytelse ved å bruke større alvorlighetsgrad på hele underholdningsindustrien. [213] [214]
Psykisk helseI Korea utsettes K-pop-artister oftere for psykisk stress enn andre kjendiser, [215] og noen har antydet at den konstante oppmerksomheten til publikum og usikkerheten rundt deres arbeid som underholdere kan ha hatt skadelige effekter på deres mentale helse . [216] I følge Block B 's Park Kyung , "er det mange mennesker som har debutert uten ennå å ha en følelse av seg selv og senere innser at hver bevegelse og hvert ord de sier er under observasjon, så de blir forsiktige og mister sinn. deres frihet ". [217] Idoler må også forholde seg til invasjonen av deres privatliv daglig utført av sasaengs [215] og med ondsinnede kommentarer fra nettbrukere. [218] Noen byråer som JYP Entertainment har leid inn psykologer for å hjelpe artistene deres med å takle stress. [219]
Selvmordene til kjente K-pop-musikere har trukket oppmerksomheten mot presset i bransjen. [220] I desember 2017 utløste dødsfallet til Kim Jong-hyun fra Shinee , som hadde snakket åpent om sin depresjon , en rekke samtaler om tilstanden til psykisk helsevern i Sør-Korea, med flere stjerner som tok opp emnet offentlig, til tross for en følelse av tabu på psykologiske lidelser forankret i koreansk kultur, og våren 2018 deltok et betydelig antall musikere på en serie gratiskonserter for å øke bevisstheten om selvmordsforebygging. [221] I 2019 førte de tilsynelatende selvforskyldte dødsfallene til Sulli og Goo Ha-ra , begge ofre for nettmobbing , næring til videre diskusjoner om et lovforslag om å innføre strengere straffer mot de som legger igjen hatefulle kommentarer, [222] mens Kakao-nettstedet ble deaktivert kommentarer om underholdningsnyheter. [223]
I følge noen perspektiver har K-pop bygget bro mellom de seksualiserte forestillingene til amerikanske artister og de faste forestillingene til deres asiatiske kolleger, og eksemplifiserer " by- og forstadsmiddelklasseverdier kroppslig eller seksuell radikalisme , eller sosial avvik og kulturell fremmedgjøring . [97] [224] Som en kulturell eksport, møtte den behovene til den unge østasiatiske befolkningen som søkte mer regional musikk enn amerikansk og europeisk pop. [225] Flertallet av fansen er ikke koreanske, og ifølge RealClearPolitics 'beskrivelse , følgere "De bor hvor som helst i verden, er mannlige og kvinnelige, og kan være i alle aldre, selv om den høyeste konsentrasjonen av fans er yngre. Politisk lener de seg til venstre , og omfavner LHBT- spørsmål , globalisme , antirasistisk aktivitet og selvbekreftelse." [226]
Spredningen av fandoms til utlandet ble noen ganger vanskeliggjort av umuligheten av å samhandle personlig med artistene, noe som genererte oppfatningen om at sistnevnte kunne være "kunstig" eller "falsk". Av denne grunn emulerte utenlandske fans først smaken til sine koreanske kolleger, før de utviklet uavhengige og noen ganger motstridende preferanser. [227] Fram til tidlig på 2000-tallet var K-pop-fandomer i USA bare utbredt i koreanske eller asiatisk-amerikanske samfunn og blant kaukasiske amerikanere eks-J-pop-fans som var interessert i asiatisk kultur, men med lanseringen av YouTube i 2005 ekspanderte raskt utover dem, inkludert afroamerikanere og latinamerikanere som ikke var kjent med koreansk kultur. [228]
Culture of fandomsHver K-pop-artist tildeler et offisielt navn til fansen deres, som kan bli med i en plateselskap-sponset fanklubb for å få spesielle fordeler som forkjøpsrett på konsertbilletter eller muligheten til å delta på møter med artisten. [229] Mens fans i Sør-Korea og Asia samles rundt disse fanklubbene, organiserer de fleste internasjonale følgere seg uformelt på selvadministrerte sosiale nettverk og fansider , der frivillige på heltid oversetter nyheter, undertekster videoer. , organiserer innsamlingskampanjer for å kjøpe album eller gaver til artister, og send salgsfremmende hashtags på trend. [230] I tillegg til å samle informasjon, samle inn og konsumere innholdet knyttet til følgende artister, utfører de også aktiviteter som prosumere , retolker dem og produserer fanfiction , fankunst , videoer og dedikert uoffisiell merchandising . [231] Et unikt trekk ved K-pop-fandoms er "fan-sangen", der publikum ekkoer visse linjer i en sang eller synger navnene på medlemmene av gruppen under de usagte delene. [10] [232]
K-pop-fans er preget av et høyt nivå av gjensidighet , og kollektivismen som er typisk for koreansk kultur skaper en dyp lojalitet mellom beundrere og artister. [229] Siden resultattavlen i Korea spiller en viktig rolle i å måle suksessen til en gruppe og holde den i gang, legger entusiaster mye vekt på shopping, strømming, lytting og kampanjer, [10] og det er ikke uvanlig at de dedikerer seg fullstendig til at hans idol til tider blir drivkraften for suksessen hans. [227] Gjennom årene har de lært å utnytte Internett, og blitt svært organiserte virtuelle samfunn med spesifikke felles mål og nøye planlagte strategier som inkluderer konstant nedlasting og strømming. [233]
Tilknytningen til et idol strekker seg ofte til andre artister under kontrakt med samme selskap og deres fans. [234] Fanklubber får også en spesifikk følelsesmessig verdi for de som deltar i dem. [235] Regelmessig interaksjon på kjønnsspesifikke nettsteder og plattformer er en kilde til økte psykososiale fordeler som lykke, selvtillit og sosial tilknytning takket være følelsen av tilhørighet gitt av nettsamfunn. [236] Fem mannlige fans av forskjellige nasjonaliteter intervjuet av det britiske magasinet Metro fortalte hvordan det å følge K-pop-boyband og delta i aktivitetene til fandomene deres hjalp dem til å bedre forstå seg selv og maskulinitetsbegrepet . [237]
Mange fans reiser utenlands for å se idolene deres på turné, og turister fra Japan og Kina besøker ofte Sør-Korea for å delta på K-pop-konserter. [173] I 2012 ble den årlige Kcon -festivalen arrangert for første gang i Irvine , [238] som gjennom årene har økt antall utgaver og utvidet til Europa, Asia, Sør-Amerika og Oseania. [239] [240]
For noen kan K-pop-fanaktiviteter sees på som en undergravende kulturell praksis, [241] ettersom musikksjangeren ville blitt brukt til å forestille seg globalisering som ikke sentrert om Vesten, men inkluderende og kosmopolitisk . [242] Tendensen til ikke-koreanske fans til å lett identifisere seg med K-popartister med et ganske offentlig image, og spesielt gutteband som legger vekt på "myk" maskulinitet, kan sees på som en utfordring for den dominerende seksualiseringen av kvinner. vestlige medier. [243]
Mottak av fandomsEn markedsundersøkelse utført i juli 2019 av Embrain Trend Monitor på et utvalg sørkoreanere mellom 16 og 64 år fant at flertallet av dem betraktet fandoms som positive, og kalte dem "lidenskapelige" og "dydige", men også "ekstrem" . 39,9 % anså dem som et tidsfordriv , spesielt tenåringer; for 63,2 % var det en sunn hobby, spesielt for kvinner i stedet for menn, og for tenåringer og tjueårene. På den annen side sa 28,7 % at de ikke forsto fenomenet og 23,8 % sa at de anså de som deltok i fandomaktiviteter til tross for høy alder som patetiske. [244] Det er en utbredt oppfatning i landet at det å følge en kjendis med iherdighet er en sosialt unormal og umoden oppførsel når ungdomstiden er over, når voksne er pålagt å investere tid og penger på familien. Dette er grunnen til at noen eldre K-pop-fans skjuler lidenskapen sin for familie, kolleger og venner, noe som gir opphav til ilko- fenomenet ( 일코 ? ; " Normal Person Cosplayer " ). [245] Kvinner identifiseres ofte med det nedsettende uttrykket ppasun-i ( 빠순이 ? ), som indikerer et kvinnelig subjekt som passivt aksepterer kulturelt innhold produsert av det mannlige kjønn, [246] eller samlet behandlet som fanatikere på grunn av sasaeng . [247]
Fremkomsten av sosiale medier har gjort det mulig for K-pop-artister å nå et globalt publikum og enkelt kommunisere med fansen deres, [248] som bruker sosiale medier for å uttrykke sin hengivenhet, samhandle med hverandre og konsumere K-pop-innhold. [249] Ettersom inntektene fra det globale nettbaserte musikkmarkedet vokste med 19 % fra 2009 til 2014 med sosiale medier, ble musikkforbrukere over hele verden lettere eksponert for K-pop, og gjennom annonser i sosiale medier reduserte underholdningsselskapene det kulturelle skillet slik at sjangeren kan komme inn på det globale markedet og få anerkjennelse i utlandet. [250] Plattformer som Facebook brukes av byråer for å rapportere om globale høringer. [248]
Idol-grupper drar nytte av videobaserte sosiale medier som YouTube , fordi visuelle komponenter som dans og mote er essensielle faktorer i opptredenene deres. [250] Siden K-pop begynte å ekspandere utenfor Koreas grenser, har artistene satt betydelige rekorder på YouTube, hvor antall søk etter begrepet «K-pop» økte 33 ganger i tiåret 2004-2014. [250] I desember 2011 ble det den første nasjonsspesifikke sjangeren som fikk en hjemmeside på videodelingsplattformen, [248] og innen 2012 hadde K-pop-videovisninger steget til 7 milliarder per år [251] mot 800 millioner i 2010. [252] Samme år var Psys Gangnam Style -videoklipp den første videoen som fikk en milliard visninger på YouTube. [253] Blackpink sin Ddu-Du Ddu-Du er den mest sette K-pop-gruppevideoen, [254] mens BTS sin Butter er musikkvideoen med flest visninger (over 108 millioner) i løpet av de første 24 timene fra publisering . [255]
I løpet av tiåret 2010 ble K-pop et av de heteste samtaleemnene på Twitter globalt, med over 6 milliarder tweets i perioden juli 2019-juni 2020. [256] Twitter er det viktigste sosiale mediet som K-pop-stjerner lager med forbindelser og få kampanjer: [256] for eksempel gikk Gangnam Style viralt etter å ha blitt nevnt av kjente tweets, [257] og Bang Si-hyuk , produsent av BTS, tilskrev delvis den raske veksten av fanbasen deres med bruk av lignende sosiale medier. [258] Den 13. november 2017 ble BTS den første sørkoreanske artisten som nådde 10 millioner følgere på plattformen. [259] De var den mest tweetede kjendisen i verden i både 2017 og 2018, [260] [261] holder Guinness Book of Records for de fleste Twitter-interaksjoner [262] og har vunnet Top Social Artist-prisen siden 2017 på Billboard Musikkpriser . [263] Andre band som Seventeen og Monsta X dukket også opp på den globale topp 10 over de mest tweetede artistene i 2017, og Exo var den mest fulgte kjendisen av de som ble med på Twitter det året. [264] Ifølge administrerende direktør for Twitter Korea har bruken av kjendiser økt populariteten blant sørkoreanere. [265]
Den sørkoreanske regjeringen har anerkjent fordelene for eksportsektoren fra populariteten til koreansk kulturinnhold rundt om i verden og har derfor subsidiert visse selskaper, [64] inkludert initiativer for å utvide populariteten til K-pop, blant annet av departementet for Kultur, sport og turisme. Sørkoreanske ambassader og konsulater har organisert K-pop-konserter i utlandet, [266] og utenriksdepartementet inviterer jevnlig utenlandske K-pop-fans til å delta på den årlige K-pop World Festival i Sør-Korea. [267] Denne forpliktelsen har skapt troen på at den koreanske regjeringen har vært en nøkkelfaktor i suksessen til sjangeren i utlandet, men statlige sponsing begynte først etter at K-pop allerede hadde oppnådd et betydelig nivå av internasjonal popularitet, og blir brukt til å promotere Koreas "nasjonale merkevare". [268]
I tillegg til å høste de økonomiske fordelene av K-pops popularitet, har den sørkoreanske regjeringen dratt nytte av K-pops diplomatiske innflytelse , og brukt den som en form for myk makt . For eksempel ble Mnet Asian Music Awards 2014 holdt i Hong Kong , åpnet med en tale av daværende Sør-Koreas president Park Geun-hye . Arrangementet ble ansett som et bevisst forsøk fra den sørkoreanske regjeringen for å støtte sine kulturelle næringer for å styrke sitt internasjonale rykte og politiske innflytelse. [269]
K-pop har også funnet plass i forholdet mellom Sør-Korea og Nord- Korea . Den 25. mai 2010 reagerte sør på den påståtte senkingen, forårsaket av nord, av et marineskip ved å sende 4Minute HuH i den demilitariserte sonen . [270] Norden svarte at den ville "ødelegge" eventuelle høyttalere langs grensen. [271] Samme år rapporterte The Chosun Ilbo at Forsvarsdepartementet vurderte å installere TV-skjermer ved grensen for å kringkaste musikkvideoer av populære jentegrupper som en del av en "psykologisk krig" mot Nord-Korea. [272] I september 2012 lastet Norden opp en video på nettet med et manipulert bilde av Sør-Koreas president Park Geun-hye som danser Gangnam Style , og betegnet henne som en "hengiven" beundrer av autokratiet pålagt av faren Park Chung-hee . [273] Fra 31. mars til 3. april 2018, etter et intervall på mer enn et tiår der sørkoreanske popsangere kun av og til opptrådte på nordkoreansk territorium, [274] opptrådte rundt 190 artister i Pyongyang , med diktator Kim Jong-un. i publikum. [275] [276]
Siden tidlig på 2010-tallet har flere politiske ledere erkjent den verdensomspennende fremveksten av koreansk populærkultur: I oktober 2012 bemerket det amerikanske utenriksdepartementets talsperson Victoria Nuland i et daglig pressemøte at datteren hennes "elsker [goes] koreansk pop", [278] forårsaket et medievanvidd i Sør-Korea etter at en reporter fra det statseide Yonhap News Agency organiserte et intervju med Nuland som beskrev tenåringsdatteren deres som "gal etter koreansk musikk og dans." [279] I november 2012 hadde det britiske utenriksministeren Hugo Swire et møte med sørkoreanske diplomater i House of Lords , hvor han uttalte at "som Gangnam Style har vist, er musikken din også global". [280] I februar 2013 ga den peruanske visepresidenten Marisol Espinoza et intervju til Yonhap News Agency, og siterte K-pop som "en av hovedfaktorene som gjorde at peruanere ønsket å bli bedre kjent med Sør-Korea". [281]
K-pops tilknytning til Sør-Koreas nasjonale identitet har nådd et slikt nivå at koreanske kulturelle verdier har blitt boikottmål under diplomatiske konflikter. [268] I august 2016 ble det rapportert at Kina planla å forby koreanske sendinger og K-pop idol-kampanjer i landet for å motsette seg utplasseringen av THAAD -forsvarssystemet i Sør-Korea. [282] [283] Rapporten disse tiltakene hadde en umiddelbar, om enn midlertidig, negativ effekt på verdien av aksjene til koreanske talentbyråer. [284]
K-pop har til tider møtt kritikk fra journalister som har oppfattet det som åpenbart og ikke originalt. [285] [286] [287] [288] Noen medlemmer av musikkindustrien og pressen har diskutert dens bærekraft, da den kontinuerlige replikeringen av dansemusikk som har brakt sjangeren til suksess forårsaket på 2010-tallet en homogenisering av kunstneriske produksjoner og talenter. [155] Bekymringer om en mulig stagnasjon av K-pop har blitt adressert i TV-programmer som Bongmyeon ga-wang , Girl Spirit og Hit the Stage , som har vist allsidigheten og talentet til idoler ved å engasjere dem i forskjellige sjangre eller skape koreografi. [155] Noen har kritisert byråers tilbøyelighet til å produsere nesten utelukkende idolgrupper, og hevdet at dette er begrensende siden, å måtte dele scenen med andre medlemmer, er det få som er i stand til å demonstrere sitt potensial fullt ut. [289] Bransjemonopoliseringen av idoler og deres byråer har også blitt kritisert for å presentere et forenklet bilde av landets musikklandskap, med fokus primært på musikken som gir de høyeste fortjenestemarginene. [11]
Bruken av engelske fraser har kommet under kritikk, etter å ha "skapt meningsløse titler". [290] Noen kunstnere har blitt anklaget for plagiering , [291] [292] så vel som for kulturell appropriasjon . [293] [294] Det diskuteres imidlertid om det å låne kulturelle elementer fra utlandet virkelig utgjør kulturell appropriasjon, eller om det egentlig er negativt. For den lærde Crystal S. Anderson "å tilegne seg elementer av en kultur ved å ta dem fra deres opprinnelige kontekst og bruke dem på en helt annen måte, utgjør ikke automatisk en negativ kulturell appropriasjon", [295] mens for journalisten Michael Hurt "attribusjonen" pleier å være ganske tydelig. Til dags dato har ikke K-pop-stjerner hevdet å ha oppfunnet rap eller å være bedre på det enn skaperne, og de fremfører det til en høy standard eller tilbyr en ny tilnærming.» [294]
Den økende mediedekningen av K-pop i Vesten har gitt opphav til en rekke stereotypier om at industrien er «full av prefabrikkerte robotlignende stjerner som synger overfladisk musikk til mengder av skrikende fangirls». [296] Opprinnelsen til denne forforståelsen går tilbake til suksessen til Girls' Generation og Wonder Girls i 2007, da sjangeren ble eksportert til det internasjonale markedet. På den tiden, til tross for tilstedeværelsen av idoler som Big Bang som produserte sine egne sanger og introduserte hiphop- og R&B-elementer i musikken deres i stedet for den mer vanlige dansen , foretrakk et stort antall grupper å følge trendene ved å gi ut lignende verk som hverandre.. Videre har vestlige publikummere og kritikere tolket møtet mellom idolenes ønske om suksess og de kommersielle interessene til byråene deres som et tegn på at sjangeren er «fabrikkpop». [297] Ideen ble først foreslått av en artikkel publisert av New Yorker i 2009 med tittelen Factory Girls . [298] For å overvinne fordommer, så 2010-tallet en betydelig økning i deltakelsen av idoler i alle aspekter av musikken deres, fra komposisjon til tekster til koreografi. [297]
Tallrike vestlige aviser har vist en tendens til kun å fokusere på de negative hendelsene som skjer i K-pop-industrien, i tillegg til å tilskrive opprinnelsen til sjangeren til regjeringen, [298] og har viet artikler til etterforskningen av en "mørk side". "som ville gjemme seg bak det bevisste rene bildet av kunstnere, [299] som beskriver dem som innsatte misbrukt av deres egne byråer, [300] fratar dem deres beslutningsautonomi [298] og argumenterer for at visse hendelser, som selvmord av noen stjerner, ble utelukkende tilskrevet deres karrierer i industrien, [301] og ignorerte de personlige og sosiale omstendighetene de levde i. [298] Denne typen fremstilling har blitt kritisert av både fans og enkelte medier fordi den ofte inkluderer faktiske unøyaktigheter, klisjeer og rasisme . [302] I følge Lee Gyu-tag, professor i kulturstudier ved George Mason University, skyldes dette "kanskje en etnisk og rasemessig stereotypi mot en viss kultur som de ikke helt forstår". [298] The Telegraph kalte det "en måte å 'fremmedgjøre' en kultur som er visuelt forskjellig fra vår", og påpekte at mishandlingen som forekommer i den koreanske musikkindustrien ikke er forskjellig fra den vestlige industrien, [300] mens for Joanna Elfving-Hwang, førsteamanuensis i koreanske studier ved University of Western Australia , er et eksempel på solipsisme forårsaket av ønsket om å se Vesten som hovedkilden til kultur. [303]