Japansk maleri

Japansk maleri (絵 画? Kaiga, eller gadō 画 道) er en av de eldste og mest raffinerte japanske visuelle kunstene , og omfatter et bredt utvalg av sjangere og stiler. Som med historien til japansk kunst generelt, viser den lange historien til japansk maleri syntese og konkurranse mellom innfødt japansk estetikk og tilpasning av importerte ideer, hovedsakelig fra kinesisk maleri , som har vært spesielt innflytelsesrik en rekke steder. betydelig vestlig innflytelse kom først fra slutten av 1500-tallet og utover, og begynte på samme tid som japansk kunst påvirket vestlig kunst.

Fagområdene der kinesisk innflytelse har vært betydelig inkluderer buddhistisk religiøs maleri , blekk- og vannmaling av landskap i den kinesiske litterære maleritradisjonen, kalligrafi av ideografier , [1] og maleri av dyr og planter, spesielt fugler og blomster. Imidlertid har typiske japanske tradisjoner utviklet seg på alle disse feltene. Emnet som i stor grad blir sett på som det mest karakteristiske for japansk maleri, og senere for trykk , er skildringen av scener fra hverdagen og fortellerscener som ofte er overfylte med figurer og detaljer. Denne tradisjonen begynte utvilsomt i den tidlige middelalderperioden under kinesisk innflytelse som nå er ute av sporet bortsett fra i de mest generelle termer, men fra perioden med de tidligste bevarte verkene hadde den utviklet seg til en spesifikt japansk tradisjon som varte inn i den moderne perioden.

Den offisielle listen over Japans nasjonale skatter (malerier) inkluderer 162 verk eller grupper av verk, fra det åttende til det nittende århundre , som representerer topper av prestasjon eller svært sjeldne overlevelser fra de tidlige periodene.

Tidslinje

Det gamle Japan og Asuka-perioden (til 710)

Opprinnelsen til maleriet i Japan går tilbake til den paleolittiske perioden . Enkle figurrepresentasjoner så vel som botaniske, arkitektoniske og geometriske tegninger finnes på keramikk fra Jōmon-perioden og Dōtaku- bronseklokker fra Yayoi-perioden (1000 f.Kr.-300). Veggmalerier med design, både geometriske og figurale, er funnet i mange hauger fra Kofun-perioden og Asuka-perioden (300-700).

Sammen med innføringen av det kinesiske skriftsystemet ( kanji ), kinesiske måter for offentlig administrasjon og buddhisme i Asuka-perioden, ble mange kunstverk importert til Japan fra Kina og lokale kopier i lignende stiler begynte å bli produsert.

Nara-perioden (710-794)

Med den videre bosettingen av buddhismen i Japan på 600- og 700-tallet blomstret religiøst maleri og ble brukt til å pryde en rekke templer reist av aristokratiet. Imidlertid er Japan fra Nara-perioden mer anerkjent for viktige bidrag til skulpturkunsten enn til maleri .

De tidligste bevarte maleriene fra denne perioden inkluderer veggmaleriene på innerveggene til Kondō (金堂? ) i Hōryū-ji-tempelet i Ikaruga i Nara prefektur . Disse veggmaleriene, så vel som bildene malt på den viktige Tamamushi-helligdommen inkluderer fortellinger som jātaka , episoder fra livet til den historiske Buddha Shakyamuni , samt ikoniske bilder av Buddha, bodhisattvaer og forskjellige mindre guddommer. Stilen minner om kinesisk maleri fra Sui-dynastiet eller slutten av Sixteen Kingdoms -perioden . Men i midten av Nara-perioden ble malerier i stil med Tang-dynastiet svært populære. Disse inkluderer også veggmaleriene i Takamatszukas grav , som dateres fra rundt 700. Denne stilen utviklet seg til sjangeren ( Kara-e ), som forble populær under den tidlige Heian-perioden .

Siden de fleste av maleriene fra Nara-perioden er religiøse, er de aller fleste av anonyme kunstnere. En stor samling av kunst fra Nara-, Japan- og Tang-dynastiet i Kina [2] oppbevares ved Shōsō-in , et lager fra 800-tallet som tidligere var eid av Tōdai-ji og for tiden administrert av Imperial Household Agency .

Heian-perioden (794-1185)

Med utviklingen av de esoteriske buddhistiske sektene Shingon og Tendai , er maleriet fra 800- og 900-tallet preget av religiøse bilder, spesielt Maṇḍala (曼荼羅mandara ? ) . Tallrike versjoner av mandalaer, den mest kjente er Mandalaen til kongeriket av diamanter og mandalaen til kongeriket av livmoren ved Tōji i Kyoto , har blitt laget som hengende ruller og også som veggmalerier på veggene til templene. Et første kjent eksempel er den fem-etasjers pagoden til Daigo-ji , et tempel sør for Kyoto .

Kose-skolen var en familie av hoffkunstnere grunnlagt av Kanaoka Kose i andre halvdel av 900-tallet, under den tidlige Heian-perioden. Denne skolen representerer ikke en eneste malestil som de andre skolene, men de forskjellige malestilene skapt av Kanaoka Kose og hans etterkommere og elever. Denne skolen endret malerier i kinesisk stil, transformerte kinesiske temaer til japansk stil, og spilte en viktig rolle i dannelsen av yamato-e -maleriet . [3] [4]

Med den økende betydningen av "Det rene land"-sektene i japansk buddhisme på 1000-tallet , ble nye typer bilder utviklet for å møte hengivenhetsbehovene til disse sektene. Disse inkluderer raigōzu (来 迎 図? ) , som skildrer Amida Buddha sammen med bodhisattvaene Kannon og Seishi som ankommer for å ønske velkommen til sjelene til de troende som dro i Amidas vestlige paradis. Et kjent tidlig eksempel, som dateres tilbake til 1053, er avbildet inne i Phoenix Hall of the Byōdō-in , et tempel i Uji . Dette regnes også for å være et godt eksempel på såkalt Yamato-e (大 和 絵? "maleri i japansk stil") , ettersom det inkluderer landskapselementer som bølgende åser som ser ut til å reflektere noe av det faktiske utseendet til den vestlige delen. Japansk landskap.

Mellom-Heian-perioden blir sett på som gullalderen til Yamato-e, som i utgangspunktet først og fremst ble brukt til skyvedører ( fusuma ) og foldeskjermer ( byōbu ). Imidlertid dukket det også opp nye maleformater, spesielt mot slutten av Heian-perioden, inkludert emakimono , eller lange illustrerte ruller. Varianter av emakimono inkluderer illustrerte romaner, som Genji Monogatari , historiske verk, som Ban Dainagon Ekotoba, og religiøse verk. I noen tilfeller brukte emaki-kunstnere billedlige fortellerkonvensjoner som hadde blitt brukt i buddhistisk kunst siden antikken, mens andre ganger utviklet de nye fortellermåter som antas å kunne visuelt formidle det emosjonelle innholdet i den underliggende fortellingen. Genji Monogatari er organisert i diskrete episoder, mens den mer livlige Ban Dainagon Ekotoba bruker en kontinuerlig narrativ modus for å understreke fremdriften til fortellingen. Disse to emaki skiller seg også stilistisk, med de raske penselstrøkene og lyse fargene til Ban Dainagon i sterk kontrast til de abstrakte formene og levende mineralpigmentene til Genji-rullene. Beleiringen av Sanjō-palasset er et annet kjent eksempel på denne typen maleri.

E -maki er også noen av de tidligste og beste eksemplene på onna-e ("kvinnelige bilder") og otoko-e ("mannlige bilder") og malestiler. Det er mange vakre forskjeller mellom de to stilene. Selv om begrepene ser ut til å antyde de estetiske preferansene til hver sjanger, har japanske kunsthistorikere lenge diskutert den faktiske betydningen av disse begrepene som fortsatt er uklare. Det er kanskje lettere å se forskjellene i faget. Onna-e , legemliggjort av pergamentet til Genjis fortelling , omhandler typisk hoffliv og hoffromantikk, mens otoko-e ofte omhandler historiske eller semi-legendariske hendelser, spesielt kamper.

Kamakura-perioden (1185-1333)

De ovennevnte sjangrene fortsatte gjennom Kamakura-perioden . Denne kunststilen ble rikelig eksemplifisert i maleriet med tittelen "Nattangrep på Sanjo-palasset" fordi det var fylt med livlige farger, detaljer og en flott visning fra en roman med tittelen "Heiji Monogatari". Produksjonen av e-maki av ulike slag fortsatte; Kamakura-perioden var imidlertid preget mye sterkere av skulpturkunsten enn av maleriet. Kamakura-perioden strakte seg fra slutten av 1100- til 1300-tallet . Det var en epoke med kunstverk, som malerier, men hovedsakelig skulpturer som bar et mer realistisk syn på livet og dets aspekter på den tiden. I hver av disse statuene er det realistiske trekk. Mange skulpturer inkluderer neser, øyne, fingre og andre detaljer som var nye for skulptur i kunsten.

Siden de fleste av maleriene fra Heian- og Kamakura-perioden er religiøse, er de aller fleste av anonyme kunstnere. Men det er en kunstner som er kjent for sin perfeksjon i denne nye stilen fra Kamakura-perioden. Han het Unkei, og han åpnet sin egen skole kalt Kei-skolen. Ettersom tiden gikk "var det en gjenoppliving av enda tidligere klassiske stiler, import av nye stiler fra kontinentet og, i andre halvdel av perioden, utviklingen av unike orientalske japanske stiler sentrert rundt Kamakura-tiden."

Muromachi-perioden (1333-1573)

I løpet av 1300-tallet hadde utviklingen av de store zen - klostrene Kamakura og Kyoto stor innvirkning på billedkunsten. Suibokuga , en streng monokromatisk stil med blekk- og vannmaleri, introdusert av det kinesiske Ming -dynastiet av Song og Yuan blekk- og vannstiler, spesielt Muqi (牧 谿), erstattet i stor grad de polykrome rullemaleriene fra tidlig Zen-kunst i Japan knyttet til Buddhistiske ikonografiske normer fra tidligere århundrer som Takuma Eiga (宅 磨 栄 賀). Til tross for den nye kinesiske kulturbølgen, generert av Higashiyama-kulturen, gjenstår noen polykrome portretter, primært i form av chinso-malerier av Zen-munker. [5] [6]

Å fange en steinbit med et gresskar (funnet i Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), av maler-prest Josetsu , markerer et vendepunkt i Muromachis maleri. I forgrunnen er en mann på bredden av en bekk som holder et lite gresskar og ser på en stor slimete steinbit. Tåke fyller mellomjorden og i bakgrunnen ser fjellene ut til å være langt i det fjerne. Det antas generelt at den "nye stilen" til maleriet, utført rundt 1413, refererer til en mer kinesisk følelse av dyp plass innenfor billedplanet.

På slutten av 1300-tallet hadde monokromatiske landskapsmalerier (山水画 sansuiga) funnet beskyttelsen til den regjerende Ashikaga-familien og var sjangeren som ble valgt blant Zen-malere, og utviklet seg gradvis fra sine kinesiske røtter til en mer japansk stil. En videreutvikling av landskapsmaleriet var rullen med poetiske bilder, kjent som shigajiku .

De viktigste kunstnerne i Muromachi-perioden er malerne-prestene Shūbun og Sesshū . Shūbun, en munk fra Shōkoku-ji-tempelet i Kyoto, skapte i maleriet Reading in a Bamboo Grove (1446) et realistisk landskap med en dyp resesjon i rommet. Sesshū, i motsetning til de fleste kunstnere i perioden, var i stand til å reise til Kina og studere kinesisk maleri ved kilden. The Landscape of the Four Seasons ( Sansui Chokan ; ca. 1486) er et av Sesshus mest komplette verk, som skildrer et sammenhengende landskap gjennom de fire årstidene.

I slutten av Muromachi-perioden hadde blekkmaleri migrert fra Zen-klostre til kunstverdenen generelt, ettersom kunstnere fra Kanō-skolen og Ami-skolen (阿 弥 派) hadde tatt i bruk stilen og temaene, men introduserte en mer plastisk og en dekorativ effekt som ville fortsette inn i moderne tid.

Bemerkelsesverdige artister i Muromachi-perioden i Japan inkluderer:

Azuchi-Momoyama-perioden (1573-1615)

I sterk kontrast til den tidligere Muromachi-perioden var Azuchi-Momoyama-perioden preget av en grandiose polykrom stil, med utstrakt bruk av gull- og sølvfolier påført [7] på malerier, klær, arkitektur, etc. og i store arbeider. [7] I motsetning til den overdådige stilen som mange kjente, tok militæreliten til orde for rustikk enkelhet, spesielt i form av teseremonien . [8] der de brukte forvitret og ufullkommen verktøy i et lignende miljø. I denne perioden begynte foreningen av "kriger"-lederne under en sentral regjering. Den første dateringen av denne perioden antas ofte å være 1568 da Nobunaga gikk inn i Kyoto eller 1573 da den siste Ashikaga Shogun ble fjernet fra Kyoto. Den nye militærkasten ga opprinnelig større toleranse overfor den kristne religionen og tillot ankomsten av noen jesuittmisjonærer, som Francis Xavier i 1549, samt bygging av utenlandske templer, hvorav den mest kjente var Nanban-ji i Kyōto . Det var i disse templene at japanerne så barokkkunst for første gang og spesielt spanske malerier. Selv om denne perioden med åpenhet mot Vesten varte i noen år, inntil Hideyoshi begynte å frykte at misjonærene hadde politiske ambisjoner, påvirket barokkmaleriene, med sine lyse farger og spill av lys og skygge, den japanske kunsten fra Azuchi-Momoyama-perioden. . Kanō-skolen, sponset av Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu og deres tilhengere, fikk enormt i størrelse og prestisje. Kanō Eitoku utviklet en formel for å skape monumentale landskap på skyvedørene som stengte et rom. Disse enorme skjermene og veggmaleriene fikk i oppdrag å dekorere slottene og palassene til den militære adelen. Spesielt Nobunaga fikk bygget et enormt slott, mellom 1576 og 1579, som viste seg å være en av de største kunstneriske utfordringene for Kanō Eitoku. Hans etterfølger, Toyotomi Hideyoshi, bygde også flere slott i løpet av denne perioden. Disse slottene var noen av de viktigste kunstneriske verkene som eksperimentering i denne perioden. Disse slottene representerte makten og selvtilliten til ledere og krigere i den nye tiden. [9] Denne statusen fortsatte inn i den påfølgende Edo-perioden, da Tokugawa-bakufuen fortsatte å promotere verkene til Kanō-skolen som offisielt autorisert kunst for shōgun , daimyō og den keiserlige domstolen.

Imidlertid eksisterte kunstnere og strømninger som ikke tilhørte Kano-skolen og utviklet seg også under Azuchi-Momoyama-perioden, og tilpasset kinesiske temaer til japanske materialer og estetikk. En viktig gruppe var Tosa-skolen, som hovedsakelig utviklet seg fra yamato-e- tradisjonen , og som hovedsakelig var kjent for småskala verk og illustrasjoner av litteraturklassikere i bok- eller emaki -format .

Bemerkelsesverdige artister i Azuchi-Momoyama-perioden inkluderer:

Edo-perioden (1603-1868)

Mange kunsthistorikere beskriver Edo-perioden som en fortsettelse av Azuchi-Momoyama-perioden. I løpet av den tidlige Edo-perioden fortsatte mange av de tidligere trendene innen maleri å være populære, men en rekke nye trender dukket også opp.

En svært betydningsfull skole, som oppsto i den tidlige Edo-perioden, var Rinpa-skolen , som brukte klassiske temaer, men presenterte dem i et dristig og rikt dekorativt format. Spesielt Sōtatsu utviklet en dekorativ stil ved å gjenskape temaer fra klassisk litteratur, ved å bruke fargerike figurer og motiver fra den naturlige verden på bladgullbakgrunner. Et århundre senere omarbeidet Korin Sōtatsus stil og skapte verk som er unikt hans.

En annen viktig sjanger som begynte under Azuchi-Momoyama-perioden, men som nådde sin fulle utvikling i løpet av den tidlige Edo-perioden, var Namban-kunst , både i representasjonen av utenlandsk eksotikk og i bruken av den utenlandske eksotiske stilen i maleriet. Denne sjangeren sentrerte seg rundt havnen i Nagasaki , som etter starten av Tokugawa Shogunatets nasjonale isolasjonspolitikk var den eneste japanske havnen som var åpen for utenrikshandel, og var derfor kanalen som kinesisk og europeisk kunstnerisk påvirkning ankom Japan. Malerier i denne sjangeren inkluderer malerier fra Nagasaki-skolen samt Maruyama-Shijo-skolen, som kombinerer kinesisk og vestlig påvirkning med tradisjonelle japanske elementer.

En tredje stor trend i Edo-perioden var fremveksten av sjangeren Bunjinga (litterært maleri), også kjent som Nanga- skolen (sørlig malerskole). Denne sjangeren oppsto som en imitasjon av verkene til kinesiske lærde-amatørmalere fra Yuan-dynastiet , hvis verk og teknikker kom til Japan på midten av 1700-tallet . Mester Kuwayama Gyokushū var den største støttespilleren for opprettelsen av bunjin-stilen. Han teoretiserte at polykrome landskap skulle betraktes på samme nivå som de monokromatiske maleriene til kinesiske forfattere. I tillegg inkluderte det noen japanske tradisjonalistiske kunstnere, som Tawaraya Sōtatsu og Ogata Kōrin fra Rinpa-gruppen, blant de viktigste representantene for Nanga. [10] Senere modifiserte Bunjinga- artistene i stor grad både teknikkene og emnene for denne sjangeren for å skape en fusjon av japanske og kinesiske stiler. Eksempler på denne stilen er Ike no Taiga , Uragami Gyokudō, Yosa Buson , Chikuden Tanomura , Tani Bunchō og Yamamoto Baiitsu.

På grunn av den skattemessige og sosiale innstramningspolitikken til Tokugawa-shogunatet, var de luksuriøse manerene til disse sjangrene og stilene stort sett begrenset til de øvre lag i samfunnet og var ikke tilgjengelig, om ikke forbudt, for de lavere klassene. De vanlige utviklet en egen type kunst, fūzokuga (風俗 画, kunstnerisk sjanger), der malerier som skildrer scener fra vanlige og daglige liv, spesielt det til vanlige folk, kabuki-teater , prostituerte og landskap var populære. Disse maleriene på 1500-tallet ga opphav til ukiyo-es malerier og treblokktrykk .

Bemerkelsesverdige artister fra Edo-perioden inkluderer:

Førkrigstid (1868-1945)

Førkrigstiden var preget av inndelingen av kunst i europeiske stiler i konkurranse med tradisjonelle urfolksstiler.

I løpet av Meiji-perioden gjennomgikk Japan en enorm politisk og sosial endring i løpet av europeiserings- og moderniseringskampanjen organisert av Meiji-regjeringen. Maleri i vestlig stil ( yōga ) ble offisielt promotert av regjeringen, som sendte lovende unge kunstnere utenlands for å studere og hyret inn utenlandske kunstnere for å komme til Japan for å skape en kunstretning på skolene.

Men etter en innledende entusiasme for kunst i vestlig stil, svingte pendelen i motsatt retning, og ledet av kunstkritiker Okakura Kakuzō og pedagog Ernest Fenollosa , var det en gjenoppblomstring av verdsettelse for tradisjonelle japanske stiler ( Nihonga ). På 1880-tallet ble kunst i vestlig stil forbudt fra offisielle utstillinger og ble sterkt motarbeidet av kritikere. Støttet av Okakura og Fenollosa, utviklet Nihonga-stilen seg med påvirkninger fra den prerafaelittiske bevegelsen og europeisk romantikk .

Malere i Yōga-stil dannet Meiji Bijutsukai (Meiji School of Fine Arts) for å holde sine egne utstillinger og fremme en fornyet interesse for vestlig kunst.

I 1907, med etableringen av Bunten i regi av Kunnskapsdepartementet, fant begge konkurrerende grupper gjensidig anerkjennelse og sameksistens, og begynte til og med prosessen mot en gjensidig syntese.

Taishō-perioden så Yōga - dominansen over Nihonga . Etter lange opphold i Europa , vendte mange kunstnere (inkludert Arishima Ikuma) tilbake til Japan under Yoshihitos regjeringstid , og tok med seg teknikkene fra impresjonisme og tidlig postimpresjonisme . Verkene til Camille Pissarro , Paul Cézanne og Pierre-Auguste Renoir påvirket de tidlige maleriene fra Taishō-perioden. Imidlertid hadde yōga-kunstnerne fra Taishō-perioden også en tendens til eklektisisme , og det var en overflod av dissidente kunstbevegelser. Disse inkluderte Fusain Society ( Fyuzankai ) som la vekt på postimpresjonistiske stiler, spesielt fauvisme . I 1914 dukket Nikakai (Second Division Company) opp for å motsette seg den statlige sponsede Bunten- utstillingen.

Japansk maleri i Taishō-perioden ble bare litt påvirket av andre samtidige europeiske bevegelser, som nyklassisisme og sen postimpresjonisme.

Imidlertid var det den gjenoppstandne Nihonga , på midten av 1920-tallet, som adopterte noen tendenser til postimpresjonisme. Den andre generasjonen av Nihonga- kunstnere dannet det japanske kunstakademiet ( Nihon Bijutsuin ) for å konkurrere mot regjeringssponsede Bunten , og selv om yamato-e- tradisjonene forble sterke, begynte den økende bruken av vestlig perspektiv og vestlige begreper om rom og lys å viske ut skillet mellom Nihonga og yōga .

Japansk maleri i Shōwa-perioden før krigen ble i stor grad dominert av Sōtarō Yasui og Ryūzaburō Umehara, som introduserte begrepene ren kunst og abstrakt maleri i Nihonga- tradisjonen , og dermed skapte en mer fortolkende versjon av den sjangeren. Denne trenden ble videreutviklet av Leonard Foujita og Nika Society, for å inkludere surrealisme . For å fremme disse trendene ble Independent Art Association ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ) etablert i 1931.

Under andre verdenskrig betydde regjeringskontroll og sensur at bare patriotiske temaer kunne uttrykkes. Mange kunstnere ble rekruttert i regjeringens propagandainnsats for kritisk og ikke-emosjonell revisjon av verkene deres.

Viktige artister i førkrigstiden inkluderer:

Etterkrigstiden (1945-nåtid)

Etter krigen, i 1947, ble det statlige sponsede japanske kunstakademiet ( Nihon Geijutsuin ) dannet, som inneholdt både nihonga- og yōga-divisjonene. Statens sponsing av kunstutstillinger tok slutt, men ble erstattet av private utstillinger, som Nitten , i enda større skala. Selv om Nitten opprinnelig var utstillingen til det japanske kunstakademiet, ble den fra 1958 drevet av et eget privat selskap. Deltakelse i Nitten ble nærmest en forutsetning for utnevnelse til det japanske kunstakademiet, noe som i seg selv nærmest var en uoffisiell forutsetning for utnevnelse til kulturordenen .

Kunsten i Edo- og førkrigstiden (1603-1945) ble støttet av kjøpmenn og folk fra store byer. I motsetning til Edo- og førkrigstiden ble etterkrigskunsten populær. Etter andre verdenskrig blomstret malere, kalligrafer og grafikere i store byer, spesielt Tokyo , og var opptatt av bylivets mekanikk, reflektert i det flimrende lyset, neonfargene og det frenetiske tempoet i abstraksjonene deres. Alle "ismene" i kunstverdenen New York - Paris ble omfavnet med inderlighet. Etter abstraksjonene på 1960-tallet, så 1970-tallet en tilbakevending til realismen sterkt pepret med "op" og "pop"-bevegelsene, nedfelt på 1980-tallet i de eksplosive verkene til Ushio Shinohara. Mange av disse fremragende avantgarde-artistene jobbet både i Japan og i utlandet, og vant internasjonale priser. Disse kunstnerne følte at det ikke var "ingenting japansk" i verkene deres, og faktisk tilhørte de den internasjonale skolen. På slutten av 1970-tallet fikk jakten på japanske kvaliteter og en nasjonal stil mange kunstnere til å revurdere sin kunstneriske ideologi og gå bort fra det noen mente var Vestens tomme formler. Samtidsmalerier innenfor det moderne formspråket begynte å gjøre bevisst bruk av formene, enhetene og ideologiene til tradisjonell japansk kunst. En rekke mono-ha-kunstnere har vendt seg til maleri for å fange tradisjonelle nyanser i romlige arrangementer, fargeharmonier og lyrikk.

Maleri i japansk eller nihonga -stil fortsetter på en måte før krigen, og oppdaterer tradisjonelle uttrykk samtidig som dens iboende karakter opprettholdes. Noen kunstnere innenfor denne stilen maler fortsatt på silke eller papir med tradisjonelle farger og blekk, mens andre har brukt nye materialer, for eksempel akryl .

Mange av de eldre kunstskolene, spesielt de fra Edo- og førkrigstiden, ble fortsatt praktisert. For eksempel ble skolens dekorative naturalisme , preget av lyse, rene farger og vasket blekk, reflektert i arbeidet til mange etterkrigskunstnere i Hikosaka Naoyoshis 1980-tallskunst. Realismen til Maruyama Ōkyo -skolen og den kalligrafiske og spontane japanske stilen til lærde-herrene ble begge praktisert mye på 1980-tallet. Noen ganger alle disse skolene, så vel som eldre, som blekktradisjonene til Kanō-skolen , ble gjort egne av samtidskunstnere i japansk stil og moderne formspråk. Mange malere i japansk stil har blitt tildelt priser og utmerkelser som et resultat av den fornyede etterspørselen etter kunst i japansk stil siden 1970. I økende grad trakk også internasjonale moderne malere på japanske skoler da de flyttet bort fra vestlige stiler i 1980-årene. Tendensen hadde vært å syntetisere øst og vest. Noen kunstnere hadde allerede bygget bro over gapet mellom de to kulturene, det samme hadde den fremragende maleren Shinoda Toko . Hans dristige sumi-blekkabstraksjoner var inspirert av tradisjonell kalligrafi, men laget som lyriske uttrykk for moderne abstraksjon.

Det er også en rekke samtidsmalere i Japan hvis arbeid i stor grad er inspirert av anime-subkulturer og andre aspekter av populær- og ungdomskulturen. Takashi Murakami er kanskje blant de mest kjente og populære av disse, sammen med andre artister fra hans studiokollektiv Kaikai Kiki . Arbeidet hans fokuserer på å uttrykke problemene og bekymringene til det japanske samfunnet etter krigen gjennom det som vanligvis er tilsynelatende harmløse former. Han trekker mye fra anime og relaterte stiler, men produserer malerier og skulpturer i media som er mer tradisjonelt assosiert med kunst, og med vilje visker han ut grensene mellom kommersiell og populær kunst og kunst.

Bemerkelsesverdige etterkrigsartister inkluderer:

Merknader

  1. ^ J. Conder, Paintings and studies by Kawanabe Kyôsai, 1911, Kawanabe Kyôsai Memorial Museum, Japan: "Noen ganger sies det at japansk maleri ganske enkelt er en annen type skrift, men ..." s.27
  2. ^ The Imperial Household Agency "About the Shosoin" , på shosoin.kunaicho.go.jp . Hentet 21. april 2013 (arkivert fra originalen 23. mai 2013) .
  3. ^ Ernest Francisco Fenollosa, epoker for kinesisk og japansk kunst, en oversikt over østasiatisk design. , Publiseringssted ikke identifisert, Nabu Press, 2010, ISBN 978-1-176-60521-3 , OCLC 944410673 .  
  4. ^ Vil . _ H Edmunds, Pekere og ledetråder til emnene kinesisk og japansk kunst: som vist i tegninger, trykk, utskjæringer og dekorasjon av porselen og lakk, med korte merknader om relaterte emner , Chicago, Ill., Art Media Resources, 2002, ISBN  978-1-58886-001-9 , OCLC  1081051954 .
  5. ^ Michelle Ying -ling Huang, Mottakelsen av kinesisk kunst på tvers av kulturer , Newcastle upon Tyne, Cambridge Scholars Publishing, 2014 , ISBN 978-1-4438-5909-7 , OCLC 900839308 .  
  6. ^ Yukio Lippit, japansk zenbuddhisme og det umulige maleriet. , Los Angeles, Getty Trust Publications, 2017, ISBN 978-1-60606-512-9 , OCLC 957546034 .  
  7. ^ a b Momoyama - perioden , på metmuseum.org . _ Hentet 21. august 2020 .
  8. ^ Den japanske teseremonien , på metmuseum.org . Hentet 21. august 2021 .
  9. ^ Azuchi - Momoyama Periode , på britannica.com . Hentet 21. august 2021 .
  10. ^ Marco, Meccarelli. 2015. "Chinese Painters in Nagasaki: Style and Artistic Contaminatio under the Tokugawa Period (1603–1868)" Ming Qing Studies 2015, s. 175-236.

Bibliografi

Andre prosjekter

Relaterte elementer