Italiensk opera

Tradisjonen med italiensk opera er den mest kjente operamusikken i verden.

Opprinnelsen

Opprinnelsen til melodrama dateres tilbake til begynnelsen av 1500-tallet i "mellomprodukter" utført mellom en akt og en annen i en resitert komedie og i den såkalte "dramatiske pastorale", eller "tragikomedie", der noen karakterer grep inn i handlingen dramatisk, uttrykker seg både ved å synge og spille instrumenter. De første librettistene og komponistene som fullstendig tonesatte noen teaterforestillinger, som ga opphav til melodrama , brukte de samme emnene som de nevnte forestillingene, siden det kunne være sannsynlig at en karakter ville uttrykke seg ved å synge bare hvis han tilhørte fantastiske og idylliske verden av Arcadia. .

Den første operaen helt i musikk, pastoralfabelen Dafne , begynte å bli utformet i et florentinsk miljø allerede i 1594 av librettisten Ottavio Rinuccinis hånd med musikk av Jacopo Corsi og Jacopo Peri . Verket ble fremført offentlig i 1598.

I de samme årene hevdet mange andre komponister æren for å ha gitt liv til den nye typen show: Emilio de 'Cavalieri i 1600 husker å ha komponert, allerede mellom år 1590 og 1596 , tre pastoraler resitert i musikk og Giulio Caccini publisert i all hast. hans Eurydike allerede før den ble representert.

Reglene for versifisering som ble observert av Peri og Caccini selv i Rinuccinis libretto og respektert i lang tid fra det øyeblikket av, sørget for resitativ :

En helt annen versifikasjon var ment for korstemmene og de første arieformene fra den for de løse versene, som var preget av:

Lokal utvikling

Mens arbeidet tok tak i hele Italia og Europa , ble flere lokale skoler født i landet, spesielt de romerske, venetianske og napolitanske.

Romersk skole

Den nye typen show spredte seg snart til Roma , hvor den kjente prelat-librettisten Giulio Rospigliosi (som senere ble pave Clement IX ) jobbet, foretrukket av den toskanske Barberini-familien, på toppen av det romerske sosiale livet i de første tiårene av syttende århundre.

Blant komponistene som arbeidet i denne perioden kan vi huske: Luigi Rossi , Michelangelo Rossi , Marco Marazzoli , Paolo Quagliati , Domenico og Virgilio Mazzocchi , Stefano Landi .

Fra 30-tallet av det syttende århundre endret emnene for verkene seg sterkt: de av ridderdiktene, generelt av Ludovico Ariosto og Torquato Tasso , ble foretrukket fremfor de fra pastoraltradisjonen og fra Arcadia, eller de hentet fra kristen hagiografi og fra kunstens komedie .

Antall karakterer økte og følgelig ble de dramatiske handlingene flere. I tillegg ble det utviklet en ny metode for intonasjon av versene i resitativet, mer egnet til de forskjellige situasjonene som oppsto fra det rike plottet og som var nærmere det talte ordet, rik på parenteser på bekostning av den parataktiske stilen som hadde så preget de første florentinske operaene. Det var en merkbar økning i de virtuose ariene og fulle av lyriske utstrømninger.

Venetian School

Byen Venezia var en svært viktig pol for spredning av opera i musikk, fordi det er i Venezia, med åpningen av det første offentlige operahuset, Teatro San Cassiano (i 1637), at denne kunstneriske sjangeren viser seg å være gjennomførbar. ... overalt og, ikke lenger bestemt for en elite av intellektuelle og aristokrater, får den en underholdende karakter.

På den tiden "reiste" den italienske operaen til utlandet, spesielt landene utenfor Alpene i Sentral-Europa, inkludert Praha som metropolen til det bøhmiske riket.

Teatrene ble allerede brukt til resitering av komedier og ble bare tilpasset av noen velstående familier, men denne trenden var av stor betydning fordi vi faktisk beveget oss mer og mer mot en gründeroppfatning av opera i musikk.

Emnene til den nye operaen i musikk ble generelt hentet fra romersk historie og legender om Troja , for å feire de heroiske idealene og edle slektsforskningen til den venetianske staten, men det er ingen mangel på kjærlighet og romantikk.

Operaene teller stort sett tre akter, i motsetning til de fyrstelige som normalt teller fem. Mye av versifiseringen er fortsatt resitativ, men ofte i øyeblikk med sterk følelsesmessig spenning er det luftige melodiske fraser kalt arier tegnet nettopp fordi de er "fjernet" fra resitativet.

De lukkede strukturene møtes i frydefulle episoder, med morsomme karakterer; ung; brudepiker...

Operakomponistene som bidro mest til berømmelse og utvikling av venetiansk opera var Claudio Monteverdi , Francesco Cavalli , Antonio Cesti og Giovanni Legrenzi .

napolitansk skole

I Napoli -området utviklet det seg allerede fra første halvdel av det sekstende århundre en dypt forankret kultur for komposisjon og musikk, noe som førte til fødselen av den napolitanske musikkskolen . Sistnevnte vil være et akademisk og kulturelt referansepunkt i hele Europa, og når sitt høydepunkt rundt 1700-tallet , da det vil ha fortjenesten av å ha født den komiske operaen og den komiske operaen .

I byen, på midten av det sekstende århundre , begynte de første konservatoriene å dukke opp og ble deretter hjørnesteinen i hele den europeiske musikkscenen. Disse var i kronologisk rekkefølge konservatoriet i Santa Maria di Loreto (1537), det til Pietà dei Turchini (1573), av Jesu Kristi fattige (1589) og det til Sant'Onofrio i Porta Capuana (1598).

Italiensk opera i sammenheng med den bohemske barokken

Barokktiden var en periode med stor velstand for den italienske operaen, som spilte en svært viktig rolle i det bohemske kongerikets historie.

Italia ga da Europa eksepsjonelle komponister og nye musikalske sjangere, men fremfor alt opera. Selv om denne teatralsk-musikalske sjangeren bare ble brukt som en pynt på private fester i Firenze i 1600, ble den med åpningen av det første italienske operahuset (Venezia, 1637) tilgjengelig for alle sosiale lag.

Siden den gang «reiste» den italienske operaen også til utlandet, og i Praha (den gang en del av det bøhmiske kongeriket) var den også svært viktig for innbyggernes kultur.

Det attende århundre

Seriøst arbeid

I løpet av det attende århundre ble det italienske kunstneriske og kulturelle livet sterkt påvirket av de estetiske og poetiske idealene til medlemmene av Academy of Arcadia .

Arkadiske poeter gjorde mange endringer i det seriøse italienske musikkdramaet, inkludert:

Blant datidens diktere var den som nøt størst formue som librettist (og som beholdt den i århundrer etter hans død) Pietro Metastasio , som tilhørte Academy of Arcadia.

Påvirkningen fra de arkadiske teoriene kan sees i tendensen til å komponere isometriske arier av samme antall linjer, med et enkelt og eufonisk språk.

I løpet av det attende århundre fremhever den store utviklingen av aria dens sterke løsrivelse fra resitativet, preget av:

Den mest brukte resitativen er den ' tørre ' eller 'enkle', såkalt fordi den 'bare' er akkompagnert av bare basso continuo. Den ' ledsagede ' eller 'pliktige', født rundt 1720, brukes sjelden , fra skikken å akkompagnere 'ariosene' med orkesteret.

I andre del av det attende århundre var vi vitne til forsøket på å slå sammen den italienske operaen med den franske 'tragedie lirique', etter vilje fra noen suverene og fremtredende komponister og librettister som var ansatt av dem.

Dette forsøket ble oppmuntret av hertugdømmet Parma , den italienske domstolen som er mest følsom for den franske kulturen. For ekteskapet til Isabella (datter av Filip av Bourbon , gift med datteren til kongen av Frankrike Ludvig XV ) med Giuseppe erkehertug av Østerrike , Tommaso Traetta , komponist kalt til retten av direktøren for show og minister for kongehuset Guillaume du Tillot , han komponerte et skuespill veldig nær den franske stilen. To teaterfester fant sted i Wien for anledningen . Måneder senere ga erkehertugen Traetta i oppdrag å komponere en teaterfest til konas bursdag.

Alle disse absolutt positive satsingene på fransk opera ble ønsket velkommen og brakt til sitt maksimale uttrykk av den tyske komponisten Christoph Willibald Gluck i samarbeid med den italienske librettisten Ranieri de 'Calzabigi , arkitekter av den såkalte' operareformen '.

De grunnleggende egenskapene til den italienske operaseria på slutten av det attende århundre er:

Funny Opera

Den komiske operaen er en stil som utviklet seg på 1700-tallet i Napoli og deretter tok tak først i Roma og deretter i hele Italia opp til hele Europa . Strømmen utviklet seg på en stabil måte i den napolitanske byen der det var før den komiske operaen, den komiske operaen . Napoli var i løpet av det attende århundre et av de viktigste musikalske sentrene på hele den europeiske scenen, og symbolet på denne vidt forankrede kulturen i byen ligger i fødselen til Real Teatro San Carlo . [1]

Denne formen begynte å utvikle seg med verket Il trionfo dell'onore av Alessandro Scarlatti i 1718 . Begynt på en libretto på napolitansk , ble den snart italiensk med verkene til Scarlatti, Pergolesi ( La serva padrona , 1733 ), Galuppi ( Landsfilosofen , 1754 ), Piccinni ( La Cecchina , 1760 ), Paisiello ( Nina , 17 ), Cimarosa ( Det hemmelige ekteskapet , 1792 ), og Mozart / Da Ponte - trilogien og , i første halvdel av 1800 - tallet , de store komiske operaene til Rossini ( Il barbiere di Siviglia , 1816 og La Cenerentola , 1817 ) og Donizetti ( L . 'elisir of love , 1832 og Don Pasquale , 1843 ). Med disse store komponistene nådde den komiske operasjangeren sin suksess og falt deretter etter midten av det nittende århundre, til tross for at Giuseppe Verdis Falstaff ble satt opp i 1893 .

De første komponistene av komiske operaer var Giovanni Battista Pergolesi , Nicola Bonifacio Logroscino , Baldassare Galuppi , Alessandro Scarlatti , Leonardo Vinci , Leonardo Leo og Francesco Feo . Arbeidet til disse, som alle opererer i Napoli eller Venezia , ble deretter gjenopptatt og utvidet av Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello og Domenico Cimarosa .

Den komiske operaen skiller seg fra den seriøse med mange egenskaper:

I andre del av det attende århundre skylder den komiske operaen sin formue til samarbeidet mellom dramatikeren Carlo Goldoni og musikeren Baldassare Galuppi .

Takket være Goldoni får den komiske operaen mye mer verdighet enn mellomspillet; faktisk fikser han den formelle organisasjonen i 2-3 akter, og lager librettoer for omfattende verk, som skiller seg vesentlig fra de tidlige attende århundre på grunn av kompleksiteten til plottene og psykologien til karakterene som det er noen seriøse, til skade for de karikerte på en opprørt måte. Nå er det også amorøse plott, plott som ser konflikten mellom de ulike sosiale klassene i sentrum og også selvrefererende ideer. Det mest kjente fellesverket til Goldoni og Galuppi er The country philosopher (1754).

Fra Goldonis samarbeid med en annen kjent komponist, Niccolò Piccinni , ble den semi -seriøse sjangeren født med La Cecchina (1760) , som ser to morsomme karakterer, to adelige og to halvkarakterer som opptrer under showet.

Den gullonske versifiseringen er preget av en mer homogen stil enn den polymetriske av de tidligere verkene.

For utviklingen av den komiske operaen var ' farsen i en akt' av stor betydning, en type musikalsk forestilling som i utgangspunktet var tenkt som et sammendrag av en stor komisk opera, men som over tid får mer og mer sin egen verdighet, og blir en sjanger i seg selv, preget av: en tydelig virtuos vokalitet; foredling av orkestreringen; den store betydningen som er betrodd retningen; tilstedeværelsen av misforståelser og overraskelser under handlingen.

I løpet av det nittende århundre hadde verkene til forfattere som Gioachino Rossini , Vincenzo Bellini , Gaetano Donizetti og Giuseppe Verdi stor suksess .

Generelt ble verkene fra denne perioden påvirket av nasjonal litteratur, men også av den gryende europeiske romantikken og av William Shakespeare , følgelig er handlingene ofte basert på karakterenes indre bevegelser, ikke sjelden hovedpersoner i lidenskapelige kjærlighetshistorier og tragiske handlinger. De mest tilstedeværende figurene er tyrannen og den forelskede kvinnen. De mange spektakulære effektene og vendingene skyldes imidlertid den franske operaen. Librettoen består vanligvis av 2-3 akter.

I løpet av det nittende århundre ble det etablert et presist forhold mellom rollen til sangeren og stemmen hans:

  • stemmen til kastraten forsvant, hvis deler ble betrodd til en contralto ' en travesti '
  • litt etter litt ble ikke tenoren lenger betrodd antagonistdelene, tvert imot legemliggjorde han oftere og oftere idealet om den forelskede helten og ekstremt lidenskapelig
  • bassen ble betrodd høytidelige partier, blandet luft av visdom og moral
  • stor betydning ble gitt til barytonen , antagonisten forelsket i tenoren (det samme er sopranen , dens kvinnelige korrespondent, mezzosopranen )
  • sopranstemmen var nå uløselig forbundet med svært delikate så vel som idealiserte og engleaktige kvinneskikkelser, skjøre, men samtidig ofte sterke i verdiene beskjedenhet og kyskhet.

Fram til nesten midten av det nittende århundre var metrikken til librettoer preget av den utbredte bruken av parisiske vers, svært skarpe og egnet for den nye typen scenesituasjon. Teksten er generelt svært viktig. Den isometriske kvadraturen er mye brukt.

Fra midten av århundret og utover begynte mange librettister å eksperimentere med nye, mer fleksible metriske strukturer: det er mange polymetriske strofer, linjer med ulike stavelser og metriske former blandet sammen.

Den formelle organiseringen av opera fra det nittende århundre er basert på det Abramo Basevi definerte som vanlig form .

På slutten av det nittende århundre og i de første tiårene av det tjuende århundre var de store komponistene som dedikerte seg til melodrama og var viktige eksponenter for musikalsk realisme : Pietro Mascagni , Ruggero Leoncavallo , Umberto Giordano , Francesco Cilea og fremfor alt Giacomo Puccini .

Kritikere har forent dem med tilnavnet Young School , og fra og med Mascagnis Cavalleria rusticana har noen av dem fulgt veien til realistisk opera, som hadde særlig suksess i det siste tiåret av det nittende århundre.

Librettistene tar utgangspunkt i fransk romantikk; fra scapigliatura (noen librettister, inkludert Antonio Ghislanzoni , Arrigo Boito og Ferdinando Fontana , var scapigliati); fra den franske naturalismen til Émile Zola ; fra Vergas realisme . _ Motivene og språket er hverdagslivet, i gjengivelsen som tilskuerne kan identifisere. Det realistiske verket er preget av en dramatisk og hjerteskjærende lidenskap, av trukulente historier om familieintriger og sjalusi. Det er også verk med historiske eller eksotiske emner.

På linjen (allerede vedtatt av avdøde Verdi) for å bryte rekkefølgen av isosyllabiske vers, spesielt hvis parisylable, blir eksperimentellismen til librettistene mellom det nittende og tjuende århundre sterkere og sterkere. Metrikken er absolutt fleksibel og mutant.

Fra et musikalsk synspunkt er strukturen ekstremt jevn, ariene er konsise, de melodiske periodene ofte avbrutt. Vokaliteten er stentorisk og presset, de høye tonene tas brått og ofte umiddelbart avbrutt, for å oppnå en mer naturalistisk effekt, nærmere det talte ordet. Bemerkelsesverdig er bruken av orkestermessene, ofte dedikert til å få frem eksotiske melodier eller lokale farger (i denne trenden er innflytelsen fra franske verk som Bizets Carmen veldig merkbar ).

Merknader

  1. ^ F. Mancini, San Carlo-teatret 1737-1987 , Electa 1991.

Bibliografi

Relaterte elementer

Andre prosjekter