Manierisme

Mannerisme er en kunstnerisk bevegelse , først italiensk og deretter europeisk, fra det sekstende århundre . Definisjonen av mannerisme har gjennomgått ulike svingninger i kunstnerisk historieskrivning , og kommer på den ene siden til å omfatte alle kunstneriske fenomener fra ca. 1520 til fremkomsten av kontrareformert og barokk kunst , mens det i de nyeste posisjonene er en tendens til å omskrive det er ettertraktet, noe som gjør det til et aspekt av de mange trendene som animerte den europeiske kunstscenen på litt under et århundre.

Definisjon

Begrepet "måte" er allerede til stede i det femtende århundres kunstneriske litteratur og var i hovedsak synonymt med stil (en kunstners stil, dominerende stil i en tid). Med denne betydningen ble det tatt opp av Vasari , i hvis monumentale verk ( Le Vite ) det begynner å få en mer spesifikk og på noen måter grunnleggende betydning i tolkningen av kunstneriske fenomener. I den tredje delen av Lives begynner historikeren fra Arezzo å snakke om sin tids " Modern Manner " eller " Grand Manner ", og indikerer hos kunstnere som Leonardo da Vinci , Michelangelo og Raphael talsmennene for en kulminasjon av kunstnerisk progresjon, som begynte som en stigende lignelse på slutten av det trettende århundre, med Cimabue og Giotto . Faktisk tilskriver han kunstnerne fra det tidlige sekstende århundre fordelen av å ha kommet til en formell perfeksjon og et skjønnhetsideal som er i stand til å overgå de "gamle", det vil si de mytiske arkitektene til klassisk kunst, og naturen selv. Vasari anbefalte derfor nye kunstnere å referere til disse modellene for å tilegne seg den "vakre måten" [1] .

Betydningen av "måte", derfor positiv i Vasaris arbeid, ble deretter forvandlet til "manerisme" på det syttende og attende århundre, og antok en negativ konnotasjon: "maneristene" var faktisk de kunstnerne som hadde sluttet å ta naturen som modell, etter renessansens ideal; utelukkende inspirert av stilen til de tre store mestrene: deres arbeid ble så bagatellisert som en steril repetisjon av andres former, ofte formidlet av en endring av det naturlige datumet og derfor sterkt bebreidet [1] .

For å være vitne til en retningsendring på vurderingen av denne fasen var det nødvendig å vente til begynnelsen av det tjuende århundre, da folk begynte å se på "manerisme" (et veletablert begrep) i et annet lys, som fremhevet de anti-klassiske komponentene av denne bevegelsen, deres eleganse overlegen "Nature" og deres ekstraordinære modernitet, forstått som frigjøring fra de tvangsmessige klassiske kanonene som forutså det tjuende århundres avantgarde i ånden [1] .

Med fremgangen i studiene har man nådd mer løsrevet posisjoner, men uunngåelig har definisjonen av "manerisme" blitt stadig mer problematisk, noe som gjør det utilstrekkelig å gruppere forskjellige fenomener under ett enkelt akronym. Mange kunsthistorikere foretrekker nå å definere det bredere omfanget, som omfatter store deler av det sekstende århundre, som "renessansens krise" [1] .

Historisk profil

Datoen for begynnelsen av den moderne æra er konvensjonelt satt til 1492 , året for oppdagelsen av Amerika , slutten av Reconquista og Lorenzo den storslåttes død , balansepunktet i det italienske politiske sjakkbrettet. I løpet av de neste årene, før og spesielt etter, fant det sted en rekke hendelser med epokal tyngdekraft som raserte, den ene etter den andre, systemet av sikkerheter som hadde vært grunnlaget for den humanistiske verden. Erobringen av Konstantinopel ( 1453 ), nedstigningen til Italia av hæren til Charles VIII av Frankrike ( 1494 ), invasjonen av Charles V av Habsburg med hans hær av tyske og spanske leiesoldater, riktig kalt lansquenets , som kulminerte med sekken av Roma i 1527 merket knapt det europeiske samfunnet, og spesielt det italienske samfunnet, som innledet en periode med kriger, ustabilitet og forvirring, der selv urørlige referansepunkter som pavedømmet så ut til å vakle.

I italienske kunstneriske fakta , 1498 , året for Savonarolas henrettelse i Firenze, og 1520 , året for Raffaello Sanzios død i Roma, så vel som diasporaen av kunstnere i 1527 ved hoffet til Clement VII , på grunn av Sacco, få spesiell betydning. Den første begivenheten markerte begynnelsen på den politiske og religiøse krisen i byen Firenze (hvor renessansen ble født), mens de to andre vitner om henholdsvis dannelsen og diasporaen til elevskolen i Urbino-området, som spredte ny stil over hele halvøya: blant disse Perin del Vaga i Genova og så igjen i Roma, Polidoro da Caravaggio i Napoli og deretter på Sicilia , Parmigianino i Bologna og Parma , opp til Rosso Fiorentino og Francesco Primaticcio som jobbet i slottet Fontainebleau for kongen av Frankrike. Manieristiske gjæringer fant også sted før Sacco: i 1521 , med åpningen av byggeplassen ved den keiserlige villaen i Pesaro etter viljen til hertugen av Urbino Francesco Maria I della Rovere , arbeidet en heterogen gruppe malere under ledelse av Gerolamo Genga dekorative fulgte direktivene til kardinal og lærde Pietro Bembo . Viktige er også arbeidene som ble utført i Mantua av Giulio Romano , som flyttet fra Roma til byen Gonzagas i 1524 .

Smaken for det uvanlige, forurensing og anti-klassisisme, født i gruppen av florentinske "eksentrikere" på begynnelsen av århundret og utviklet i Roma under Clement VII , endte derfor med diasporaen av kunstnere som gikk i tjeneste ved de forskjellige domstolene, antar forskjellige konnotasjoner fra sted til sted og sprer seg over halvøya og utover, ikke uten reaksjoner og motstand. Fenomenet er også kjent som «International Courts Mannerism», i noen tilfeller til og med ved utover begynnelsen av 1600-tallet [2] .

Måtens tidsalder fikk sterke ringvirkninger med slutten av konsilet i Trent i 1563 , men den manneristiske smaken, mer og mer raffinert, selvrefererende og dekorativ, ble konsumert i ekstremt virtuose virksomheter bestilt av de store europeiske domstolene for en privat og ekstremt elite, så for Studiolo av Francesco I i Palazzo Vecchio i Firenze eller samlingen til Rudolph II i Praha .

Stilistiske elementer

I følge Vasari måtte imitasjonen av "den gode måten" bevege seg innenfor ytterpunktene til "regelen" (analogien) og "lisensen" (motsigelsen): gjennom full beherskelse av tegning, farge og komposisjon måtte kunstneren frigjøre seg selv. fra begrensningene eksisterende eksempler, elegant motsier dem for å komme til nye utfall som aldri er forutsigbare [2] .

Lisensen må forstås som en kontinuerlig søken etter ynde, eleganse og kunstighet, noe som fører til desidert unaturlige, men svært raffinerte resultater. Et typisk uttrykk for denne stilen er den "slange" figuren, det vil si en måte å representere menneskekroppen på ved å kontrastere lemmene i skruvridninger, som opphøyet som aldri før den klassiske metoden til det motsatte . Som Giovanni Paolo Lomazzo beskrev godt i 1584 , lignet figurene på "snurringen til en slange når den går, som er den riktige formen på flammen i den svaiende ilden. Dette betyr at figuren må representere formen til bokstaven S ". . Opprinnelig brukt av Michelangelo og deretter mye gjenbrukt, representerte serpentinfiguren "lisensen" med hensyn til den normale regelen, siden lemmene nådde unaturlige posisjoner, mens de forble plausible (for å bruke Vasaris ord, "licentiaen som ble bestilt i regelen" ) [2] .

Manieristisk maleri

Enkel utførelse og hurtighet er egenskapene som Vasari setter mest pris på, og de finner en parallell i "forakten" (dvs. holdningen til utstudert uforsiktighet hos de som føler seg veldig sikre på seg selv) som gjennomsyrer Il Cortegiano av Baldassarre Castiglione . Manieristverket må også inneholde "mangfoldet av så mange særheter, vagheten i fargene, bygningenes universitet og avstanden og variasjonen i landene", så: "en innholdsrik oppfinnelse av alle ting" (Giorgio Vasari , Skrue ).

Forberedelsen som kreves av en maler på 1500-tallet stoppet ikke ved kunstneriske evner, men inkluderte også kultur, en universell utdannelse, til og med religiøs, samt reglene for etisk og sosial atferd som tillot ham å forholde seg til institusjoner og klienter. Også dette ble oversatt til "måten" å male; og for Vasari var det høyeste uttrykket for den "gode måten" å male på i Raphael og Michelangelo .

"Maneren", eller "stilen", om du foretrekker, ble hos påfølgende forfattere oversatt til affeksjon, oppfinnsomhet, raffinement, kunstig verdi: disse egenskapene ble senere tilskrevet disse malerne i varierende grad og med forskjellige vurderinger, avhengig av ganger.

Begrepet mannerisme, i motsetning til "måte", dukket opp mye senere, med bekreftelsen av nyklassisismen på slutten av det attende århundre , for å definere hva som var ment som et avvik for kunst fra dets eget ideal; og ble senere brukt av kunsthistorikeren Jacob Burckhardt for å hånlig definere italiensk kunst mellom renessansen og barokken . Først på 1920- og 1920 -tallet ble maneristmalerne rehabilitert, og under påvirkning av ekspresjonisme og surrealisme ble kulturen som lå til grunn for manerismen positivt evaluert: kunstens løsrivelse fra virkeligheten, forlatelse av ideen om at naturens skjønnhet er uten sidestykke og overvinnelsen. av idealet om kunst som en imitasjon av virkeligheten. I denne oppfatningen blir kunsten et «mål i seg selv».

Kjennetegn som var ganske tilbakevendende i manneristiske billedverk, mer eller mindre verdsatt i senere tid, var:

Spredning av italiensk maneristisk maleri

Byene Roma, Firenze og Mantua var maneristsentrene i Italia. Venetiansk maleri fulgte en annen kurs, representert av Titian i hans lange karriere. Mange av de tidligste manneristiske kunstnerne som hadde arbeidet i Roma i løpet av 1520-årene, flyktet fra byen etter plyndringen i 1527 . Da de spredte seg over hele kontinentet på jakt etter jobb, spredte stilen seg over hele Italia og Nord-Europa. [3] Resultatet var den første internasjonale kunstneriske stilen fra den gotiske . [4] De andre delene av Nord-Europa hadde ikke fordelen av en slik direkte kontakt med italienske kunstnere, men den maneristiske stilen gjorde seg gjeldende gjennom trykk og illustrerte bøker. Europeiske herskere kjøpte blant annet italienske verk, mens nordeuropeiske kunstnere fortsatte å reise til Italia, og bidro til å spre den maneristiske stilen.

Individuelle italienske kunstnere som arbeidet i nord fødte en bevegelse kjent som Northern Mannerism (eller Northern Mannerism). For eksempel ble Allegory of the Triumph of Venus av Bronzino gitt til Frans I av Frankrike . Stilen falt i Italia etter 1580, mens en ny generasjon kunstnere, inkludert Carracci -brødrene , Caravaggio og Cigoli , gjenopplivet naturalismen. Walter Friedlaender identifiserte denne perioden som "anti-manerisme", akkurat som de tidlige manneristene var "anti-klassiske" i sin reaksjon med å bevege seg bort fra de estetiske verdiene til den modne renessansen [5] , og i dag er det enighet om at Brødrene Carracci og Caravaggio begynte overgangen til maleri av barokkstil som var dominerende innen 1600.

Utenfor Italia fortsatte manerismen til det syttende århundre. I Frankrike, hvor Rosso gikk for å jobbe ved hoffet i Fontainebleau , er det kjent som " Henry II-stilen " og hadde en spesiell innvirkning på arkitekturen. Andre viktige kontinentale sentre for nordisk manerisme inkluderer hoffet til Rudolf II i Praha samt Haarlem og Antwerpen . Manierisme som en stilistisk kategori gjelder sjeldnere for engelsk visuell og dekorativ kunst, der innfødte etiketter som " Elisabethansk " og " Jacobean " er mer vanlig brukt . Den håndverksmessige manerismen fra det syttende århundre er et unntak, brukt på arkitektur, som er avhengig av modellbøker snarere enn på presedenser som eksisterer på det kontinentale Europa. [6]

Spesielt bemerkelsesverdig er den flamske innflytelsen i Fontainebleau som kombinerte erotikken til den franske stilen med en tidlig versjon av vanitas -tradisjonen som ville dominere nederlandsk og flamsk maleri fra 1600-tallet. Fremherskende i denne perioden var "den vage maleren", en beskrivelse av dikterne i nord som gikk inn i verkstedene i Frankrike og Italia for å skape en virkelig internasjonal stil.

Sentrene for italiensk maneristisk maleri

Som allerede nevnt, etter plyndringen av Roma i 1527 flyktet de fleste av malerne som var i den pavelige hovedstaden. De var arkitektene bak Clementine-stilen (fra pave Clement VII ), et veldig raffinert språk som gradvis beveget seg bort fra Rafaels leksjon , var på jakt etter stadig ny virtuositet i kontinuerlig eksperimentering. Symbolet og hovedkarakteristikken til denne stilen er " slangefiguren ", en figur i bevegelse som har minst to eller tre forskjellige og like interessante synspunkter, og som derfor vrir seg på en mest mulig grasiøs måte, og bryter reglene. perspektivisk og anatomisk. Saccoens skam slukker Romas fyrtårn som en kulturell guide for Europa i minst et tiår. Andre sentre er imidlertid oppdatert på romerske nyheter, takket være kunstnere på flukt.

Gjenopplivingen av Roma etter plyndringen av 1527 finner sted med ankomsten av pontifikatet til pave Paul III (1534-49) som prøver å gjenvinne den timelige prestisje også takket være de store offentlige kunstneriske virksomhetene. De viktigste byggeplassene ble deretter åpnet for Vatikanet og Campidoglio . Paul III måtte også møte bruddet mellom de kristne i Nord-Europa og romersk ortodoksi, Roma opplever dermed en sesong med ambivalens, delt mellom den raffinerte pompøsiteten til internasjonal manerisme (i by- og forstadsvillaene til de mektigste familiene) og mer strenge. og åndelig som den siste dommen i det sixtinske kapell, og syklusene til Daniele da Volterra .

Italienske maneristiske malere i Europa

Arkitektur

Selv arkitekturen på midten av det sekstende århundre regnes ofte som maneristisk, noe som i denne forstand betyr en raffinert og tilfeldig bruk av de klassiske ordenene, med hyppige brudd på de kodifiserte reglene. Blant bygningene som best eksemplifiserer denne holdningen er Palazzo Te i Mantua , arbeidet til maleren og arkitekten Giulio Romano , og Villa Imperiale i Pesaro designet av Gerolamo Genga .

Et annet aspekt ved maneristisk arkitektur var dialektikken mellom natur og kunstgrep som preget modellene til den italienske hagen .

Skulptur

Som i maleriet var den første italienske manneristiske skulpturen i stor grad et forsøk på å finne en original stil som kunne matche og overgå Michelangelos modne renessanse . For eksempel utløste utsmykningen av Piazza della Signoria i Firenze en livlig konkurranse mellom kunstnerne gjennom en rekke oppdrag som ville ha flankert Michelangelos David . Baccio Bandinelli tok over prosjektet til Hercules og Cacus fra mesteren selv, men hans forsøk på å etterligne Davids livlige anatomiske spenning resulterte i overdreven muskularisme, som umiddelbart vekket livlig kritikk [7] . Benvenuto Cellinis bronse Perseus med hodet til Medusa ble tegnet med åtte betraktningsvinkler (en karakteristikk av den maneristiske stilen) og ble kunstig stilisert i meislingen av detaljene, kanskje avledet fra skulptørens erfaring som gullsmed. [8] Hans berømte gull- og emaljesaltkjeller (1543) viser hans talent for å lage en livlig komposisjon, rik på detaljer som best forsterker de dyrebare materialene. [9]

Små samleobjekter av bronse, ofte nakne mytologiske emner, var en sjanger som ble etterspurt av de fyrste hoffene, og i Firenze utmerket Giambologna , en kunstner av flamsk opprinnelse, seg. Han skapte også skulpturer i naturlig størrelse, hvorav to kom inn i utsmykningen av Piazza della Signoria. Han og hans tilhengere utviklet elegante, langstrakte eksempler på serpentinfiguren , ofte av to sammenvevde figurer, som var interessante fra alle sider. [10]

Liste over maneristiske artister

Malere Arkitekter Skulptører

Merknader

  1. ^ a b c d Marchetti Letta, cit., s. 6-7.
  2. ^ a b c De Vecchi-Cerchiari, cit., s. 252.
  3. ^ Briganti, cit., s. 32–33
  4. ^ Briganti, cit., P. 1. 3.
  5. ^ Friedländer, cit.
  6. ^ Summerson, cit., s. 157–72.
  7. ^ Olson, cit., s. 179–182.
  8. ^ Olson, cit., s. 183–187.
  9. ^ Olson, cit. s. 182–183.
  10. ^ Olson, cit., s. 194-202.

Bibliografi

Relaterte elementer

Andre prosjekter

Eksterne lenker